РУ | EN

DANCE INVERSION

Международный фестиваль современного танца
  • 25 / 26 сентября 2017 г.
    Danza Contemporanea de Cuba / Компания современного танца Кубы,
    В программе: Этнородина/Кубинское танго/Кристалл
    На сцене Московского академического музыкального театра имени К.С.Станиславского и Вл.И.Немировича-Данченко

    Этнородина. Кубинское танго. Кристалл


    Компания современного танца Кубы
    Директор компании: Мигель А. Иглесиас-Феррер
    Управляющий: Хорхе Брукс Гремпс
    Педагог: Йоэрлис Брунет Аренсибия


    Труппа:
    Хавьер Агилера, Андрес Асканьо, Рауль Баррера, Лейна Гонсалес, Ньосбель О. Гонсалес, Эсвен С. Гонсалес, Эриберто Менесес, Пенелопа Морехон, Иосмали Ордоньес, Анабель Помар, Майкел Понс, Лаура Риос, Данни Родригес, Клаудиа Э. Родригес, Дайрон Ромеро, Норхе Седеньо, Ильяна Солис, Таис Суарес, Дженнифер Техеда, А. Аманда Фернандес, Виктор М. Фернандес, Стефани Харди, Хосе А. Элиас, Арелис Эрнандес.


    Резиденты-хореографы:
    Хорхе Абриль, Исидро Роландо, Норхе Седеньо, Хулио Сесар Иглесиас, Джордж Сеспедес.


    Приглашенные хореографы:
    Самир Акика, Рафаэль Боначела, Ицик Галили, Джанни ди Чикко, Хуан Крус Диас де Гарайо Эснаола, Кеннет Квамстрём, Тео Клинкард, Ян Линкенс, Анхельс Маргарит, Кэти Марстон, Педро Руис, Хоакин Сабате, Матс Эк.


    Режиссер: Федерико Ромильо Родригес
    Художник по свету и осветитель: Фернандо Хавьер Алонсо Коусо
    Звукоинженер: Хосе Мануэль Мартинес де Вальдивьельсо
    Менеджер по связям с общественностью: Хосе Эрнесто Гонсалес Москера
    Изготовление костюмов: Тамара Гарсиа Маркес


    Компания современного танца Кубы была основана Рамиро Гуэррой 25 сентября 1959 года, когда она выделилась из состава балетной труппы кубинского Национального театра. Первоначальное название компании – Ансамбль современного танца. В 1962 труппа стала называться Национальным ансамблем современного танца, а в 1974 получила название Национальная танцевальная компания Кубы. Сегодня ее возглавляет Мигель Иглесиас, танцевавший в труппе с 1975 года.
    Компания сразу же получила неоспоримое международное признание. За все время своего существования она выпустила более трехсот спектаклей, приводивших в восторг зрителей разных стран, выступала с гастролями на самых престижных мировых сценах перед самой взыскательной аудиторией и заслужила одобрение многих балетных критиков. Начало ее триумфальному пути положил зарубежный дебют в театре Сары Бернар на пятом Фестивале Наций в Париже в 1961 году и выступления в московском Концертном зале им. П.И. Чайковского. в том же году. С этого момента Компания современного танца Кубы гастролирует на ведущих сценах всех континентов планеты.


    В активном репертуаре Компании современного танца Кубы – широкий спектр произведений, раскрывающих универсальность труппы, колоссальные возможности ее уникального стиля интерпретации и гармоничную интеграцию с другими формами искусства в контексте современного танца. В них сочетаются разнообразные стили и манеры исполнения, в основе которых лежит традиционное для Кубы смешение испано-европейской и африканской культур.


    Компания современного танца Кубы стоит у истоков всего кубинского контемпорари. Из этой труппы вышли самые заметные фигуры танцевального мира Кубы, в ней зародилось множество знаменательных проектов. Компания сохраняет дух новаторства, который был присущ ее основателям, и поддерживает их принципы. За счет этого она открыта любым тенденциям, возникающим в танцевальном мире, и готова пробовать их на себе, не забывая при этом о сущности своей техники как плавильного котла разных стилей.
    Благодаря своей многогранности Компания современного танца Кубы является на сегодняшний день одной из наиболее универсальных трупп в мире, и своим огромным репертуаром демонстрирует способность воспринимать и интерпретировать самые разные танцевальные стили. Свой пятьдесят восьмой день рождения (25 сентября 2017 года) компания отпразднует выступлением в Москве, где последний раз гастролировала 32 года назад, и представит три спектакля последних лет: дерзкий «Кристалл» Хулио Сесара Иглесиаса; лиричное, современное и очень колоритное «Кубинское танго» Билли Кауи; и, наконец, «Этнородину» – размышление о чуткой и страстной кубинской душе.


    Уникальность Компании современного танца Кубы основана на эстетических принципах, берущих начало в технике кубинского современного танца. Вот уже почти шесть десятков лет она пробует и перерабатывает все креативные достижения, которые могут предложить ее кубинские корни.
    Хорхе Брукс Гремпс.


    Кристалл
    Продолжительность: 35 минут
    Участвуют 16 танцовщиков
    Хореограф: Хулио Сесар Иглесиас
    Ассистенты хореографа: Томас Гуиларте, Крис де Фейтер
    Музыка: Макс Ритчер; Джей-Лоутон; «Hagal» группы Wardruna; «Love is Blindness» Джека Уайта; «Hardest Day» группы Tropic of Cancer, «Sea Inside» Роберта Хайдена a.k.a. Desierto de los leones; композиции микширует вживую Джей-Лоутон
    Художник по костюмам: Хулио Сесар Иглесиас
    Художник по свету: Фернандо Алонсо


    Собирая масштабный коллаж из множества элементов, Иглесиас в своей постановке исследует жизнь современной кубинской городской молодежи. В его хореографии свободная, безудержная экспрессивность сочетается с абстрактным контролем над телом и театральным танцем.
    «Хрупкость, красота и стеклянная прозрачность».
    (Мэрилин Гарби, «Ла Хирибилья», 25 октября 2014)


    «Лучше всего этому спектаклю подходит определение “многогранный”. Хулио Сесар не просто реагирует на карибские реалии в стиле “Бури и натиска” – его хореография демонстрирует островные типажи, обогащая их знаниями и обычаями других географических регионов».
    (Лаура Доминго Агуэро, «Ла Гасета де Куба», январь-февраль 2015)


    «”Кристалл” предлагает нам анализ общества второй половины XX века с его скепсисом, агрессией, манипулятивностью, смешением границ между полами и отказом от индивидуального ради массовости. Танцовщики, воплощающие идеи хореографа, – великолепные актеры; их персонажи – плоть от плоти культурной индустрии, вырабатывающей стереотипы, которые нужно принять как норму, словно ничего важнее нет. Заряд иронии делает удовольствие еще острее – по крайней мере для зрителей.
    Без сомнения, это произведение – жесткий социальный портрет, не имеющий срока годности, – станет большим репертуарным козырем для компании».
    (Марта Санчес, портал OnCuba, сентябрь 2015).


    Кубинское танго
    Продолжительность: 29 минут
    20 танцовщиков
    Хореография, музыка и текст: Билли Кауи
    Ассистенты хореографа: Лувьен Медерос, Томас Гуиларте, Хорхе Абриль
    Видеодизайн: Силке Мансхольт
    Художник по костюмам: Холли Мюррей
    Вокал: Клара Гарсиа Фрайле
    Скрипка: Тадаске Иидзима
    Художники по свету: Фернандо Алонсо и Билли Кауи


    Медленные и меланхоличные танцы «Кубинского танго» поэтично выявляют, как люди соблазняют друг друга. На фоне огромных черно-белых проекций детских рисунков и картин Пикассо Кауи изящно выстраивает танцовщиков в длинные, абсолютно синхронно двигающиеся ряды, а их томная грация заставляет зрителя фокусировать внимание на самых простых движениях.


    «Симметричный поцелуй Билли Кауи.
    Целуются крепко, страстно, симметрично; целуются раскачиваясь, передвигаясь, танцуя – танцуя в ритме танго. Британец Билли Кауи – музыкант, поэт и хореограф – в своем «Кубинском танго» доводит до абсолюта этот будничный уличный поцелуй наших дней. Точными фразами (будь то словесный или хореографический текст) он поэтически описывает способы соблазнения и элегантно развлекает публику под бокал легкого пива: ни привычного оппортунизма, ни ложной скромности в его спектакле нет. Кауи находит точную и динамичную модель, внутри которой его танцовщики могут сохранять определенную неформальную свободу, но в то же время должны подчиняться единообразию, установившемуся среди сегодняшнего кубинского общества. Эта модель универсальна, даже если не отражает самые запутанные аспекты жизни нашего острова».
    (Андре Д’Абрё, «Ла Хирибилья», 27-27 февраля 2015)


    «Компания современного танца Кубы не желает отдыхать.
    Шотландец Билли Кауи поставил “Кубинское танго” за две недели.
    Взрывные движения, физическая выносливость, импровизация: танцовщикам здесь приходится выйти из зоны комфорта. Но есть ли для них хоть что-то невозможное? Полной свободы движений у них нет, но все, что они могут сделать, они делают тщательно и безукоризненно. Они излучают нежность и уязвимость и жестикулируют с подчеркнутой выразительностью, то и дело поднимаясь на полупальцы.
    Билли Кауи создал “балет о Кубе”: десять историй о Гаване вращаются вокруг любви, которой не суждена долгая жизнь. Параллельно разворачивается история о танце. Спектакль вдохновлен кубинской повседневностью: герои пьют на балконе пиво “Кристалл”, встречают друг друга на автобусной остановке, празднуют день Святого Валентина.
    Мостом между историями, рассказанными в танце, служит голос рассказчицы. Каждая сцена коротка и продуманна.
    Хореография наслаждается какофонией; свет и костюмы помогают создать обстановку, которая позволяет пристальнее разглядеть каждое движение и разгадать каждое намерение».
    (Хосе Эрнесто Гонсалес Москера, «Контемпорари Куба», 15 февраля 2015)


    Этнородина
    Продолжительность: 30 минут
    23 танцовщика
    Хореограф: Джордж Сеспедес
    Ассистент хореографа: Йоэрлис Брунет Аренсибия
    Музыка: Nacional Electrónica; «Vete de mí» Эрманоса Эспозито в исполнении Игнасио Вилья a.k.a. Bola de nieve
    Художник по костюмам: Джордж Сеспедес
    Художник по свету: Ариэль Капоте Гранадо


    «Один из моих коллег как-то сказал на репетиции “Кармины Бураны”: “В твоей хореографии мне видятся числа, а порой и сам Пифагор”. Это даже не числа – это арифметика войны. Джордж показывает в танце свое к ней отношение. Ключевой элемент в “Этнородине” – марш. Танцовщики маршируют с каменными лицами, словно вымуштрованный батальон, который не просто выполняет приказ, а делает то, что чего был рожден.
    Два других элемента в «Этнородине», создающих ее органическое стилистическое единство – танец мамбо и кубинская национальная идентичность. За ее создание Джордж Сеспедес удостоился награды Союза писателей и артистов Кубы Критик Вильянуэва-2015 как лучший хореограф».
    (Таис Гарсиа, «Ла Хирибилья», 06-12 февраля 2015)


     

  • 4 / 5 октября 2017 г.
    Les Ballets de Monte-Carlo/Балет Монте-Карло (Монако),
    В программе: «Красавица», хореограф Жан-Кристоф Майо
    На сцене Большого театра, Историческая сцена

    Красавица


    Труппа


    Балетная труппа Монте-Карло была создана в 1985 году по желанию Ее Королевского Высочества принцессы Ганноверской Каролины, которая хотела развить танцевальные традиции Монако. Руководство новой труппой взяли на себя Гилен Тесмар и Пьер Лакотт, а затем Жан-Ив Эскер.


    В 1993 году принцесса Каролина назначила руководителем Балета Монте-Карло Жана-Кристофа Майо. Он принес в труппу свой богатый танцевальный опыт, полученный под руководством Розеллы Хайтауэр и Джона Ноймайера, а также опыт руководства Национальным центром хореографии Тура. Как хореограф Жан-Кристоф Майо создал для труппы более тридцати балетов. Некоторые из них вошли в репертуар крупнейших мировых театров. Культовые работы Майо принесли Балету Монте-Карло всемирную известность.


    Жан-Кристоф Майо развивает репертуар труппы, приглашая лучших хореографов современности, но дает возможность и молодым хореографам проявить свой талант, предоставляя в их распоряжение 50 великолепных танцовщиков Балета Монте-Карло. В числе приглашенных хореографов у него работали Сиди Ларби Шеркауи, Шэнь Вэй, Алонсо Кинг, Эмио Греко, Крис Харинг, Марко Гёке, Люсинда Чайлдс, Уильям Форсайт, Иржи Килиан, Кароль Армитаж, Морис Бежар и даже Мари Шуинар.


    В 2011 г. под патронатом Её Высочества принцессы Ганноверской и руководством Жана-Кристофа Майо три учреждения – Балет Монте-Карло, Танцевальный форум Монако и Академия танца имени княгини Грейс – были объединены в единую организацию, которая теперь занимается развитием международной труппы, проведением фестивалей и обучением танцовщиков. Творчество, продюсирование и профессиональная подготовка теперь сосредоточены в одной структуре, чтобы служить хореографии как никогда прежде.


    Жан-Кристоф Майо


    Жан-Кристоф Майо родился в 1960 году, учился балету и игре на фортепиано в Национальной консерватории Тура, затем (до 1977 года) у Розеллы Хайтауэр в Международной школе танца в Каннах. В 1977 году был награжден Призом Международного юношеского конкурса в Лозанне, затем поступил в труппу Гамбургского балета Джона Ноймайера, солистом которой являлся в течение последующих пяти лет, исполняя главные партии. В разгар карьеры ему пришлось уйти со сцены из-за травмы.


    В 1983 году он вернулся в Тур и стал хореографом и руководителем балетной труппы Большого театра Тура, впоследствии преобразованного в Национальный центр хореографии. Для этой труппы Майо поставил свыше двадцати балетов, а в 1985 году учредил фестивальLe Chorégraphique. В 1987 году Майо поставил «Чудесный мандарин» для Балета Монте-Карло – и имел исключительный успех. В сезоне 1992/93 он стал художественным советником Балета Монте-Карло, а в сентябре 1993 г. принцесса Каролина назначила его художественным руководителем театра.


    Под руководством Майо начался новый этап в развитии Балета Монте-Карло. Труппа быстро прогрессировала в своем развитии и вот уже двадцать лет носит заслуженную репутацию высокопрофессионального, творчески зрелого коллектива. Майо поставил для нее несколько десятков балетов, ряд из которых – например, «К земле обетованной» (1995), «Ромео и Джульетта» (1996), «Золушка» (1999), «Красавица» (2001), «Сон» (2005), «Другая песнь» (2006), «Фауст» (2007), «Озеро» (2011), «Хорео» (2013) и «Труппа “Щелкунчика”» (2013) завоевали международное признание. Некоторые из этих работ включены в репертуар ведущих балетных театров мира – Большого балета Канады, Королевского Шведского балета, Национального балета Кореи, Штутгартского балета, Королевского Датского балета, балета Большого театра Женевы, Тихоокеанского северо-западного балета, Американского театра балета и Балета Бежара в Лозанне. В 2014 году Майо поставил «Укрощение строптивой» для балетной труппы Большого театра.


    Жан-Кристоф Майо внимательно следит за работой других артистов. Он известен своей открытостью и всегда готов к сотрудничеству с хореографами, работающими в других стилях. В 2000 году, стремясь представить хореографическое искусство во всем его многообразии, он основал Танцевальный форум Монако – международный фестиваль танца, в рамках которого проводятся разнообразные спектакли, выставки, семинары и конференции.


    В 2007 году он поставил свою первую оперу «Фауст» в Государственном театре Висбадена, в 2009 году – «Норму» в Опере Монте-Карло. В 2007 году создал свой первый фильм-балет «Золушка», в 2008 году – фильм-балет «Сон». В 2009 году разработал и координировал программу фестиваля «Столетие “Русских сезонов”» в Монако, в рамках которого княжество в течение года посетили более 50 балетных трупп и хореографов, собрав аудиторию в 60 тысяч зрителей.


    Жан-Кристоф Майо является кавалером Ордена Княжества Монако за заслуги в области культуры, а также французских орденов Искусств и изящной словесности и Почетного легиона. 17 ноября 2005 года князь Монако Альберт II наградил Жан-Кристофа Майо Орденом Святого Карла. В 2008 году в Москве он был удостоен премииBenois de la Danse в номинации «Лучший хореограф», а в 2010 году в Испании – премииDanza Valencia. В 2015 году его балет «Укрощение строптивой» получил «Золотую маску» в нескольких номинациях, в том числе как лучший балетный спектакль.


     

    Жан-Кристоф Майо:


    Я создал «Красавицу» более пятнадцати лет назад и, конечно, та версия балета, которую публика увидит сегодня, отличается от оригинальной. Мои балеты постоянно меняются. Они не застывают во времени, не сводятся к единственному варианту, в котором впервые увидели свет. Искусство хореографии находится в постоянном движении, бесконечно трансформируется. В труппу приходят новые танцовщики, привнося в спектакль свои чувства, свое восприятие, свой уникальный талант. Работающие над балетом специалисты, будь то дизайнеры, сценографы, музыканты или авторы либретто, тоже проходят через перемены, добавляя новые идеи. Я не перестаю говорить, что мои спектакли – это не запись в архиве, не неприкосновенный экспонат. Наоборот, для меня радость видеть, как они преображаются, – это главный стимул, чтобы продолжать работу.


    Красавица
    Хореография: Жан-Кристоф Майо
    Музыка: Петр Ильич Чайковский
    Художник-постановщик: Эрнест Пиньон-Эрнест
    Художник по костюмам: Филипп Гийотель
    Художник по свету: Доминик Дрийо
    С участием Филармонического оркестра Монте-Карло под управлением Николя Брошо
    Премьера состоялась 27 декабря в центре Гримальди-форум в Монако

     

  • 10 / 11 октября 2017 г.
    Teac Damsa (Ирландия),
    В программе: «Лебединое озеро», хореограф и режиссер Майкл Киган-Долан
    На сцене Театра Наций

    Лебединое озеро


    О компании


    Танцевальная компания Fabulous Beast родилась в 1997 году и за 17 лет создала несколько крайне оригинальных, успешных и скандальных проектов, обогнав все остальные ирландские танцевальные театральные труппы. Некоторые из самых известных их постановок: The Flowerbed — «Клумба» (2000), «Жизель» (2003), The Bull — «Телец» (2005), James Son of James — «Джеймс, сын Джеймса» (2007), «Весна священная» (2009, совместная постановка с Английской национальной оперой), Rian — «Райан» (2011) и «Петрушка» (2013). Новые постановки компании были удостоены театральной премии газеты «Айриш Таймс» (2003), Театральной премии Британского круга критиков (2008), премии Bessie Award (2013), а также были номинированы на премию Лоуренса Оливье (2006, 2008, 2010). Fabulous Beast стала первой ирландской танцевальной компанией, которая представляла свои проекты на международных площадках и фестивалях: от театра Сэдлерс-Уэллс в Лондоне до Театра де ла Вилль в Париже, от фестивалей в Гонконге и Сиднее до фестивалей в Линкольн-центре в Нью-Йорке.


    MKD Dance – преемник Fabulous Beast – представляет новую эру в истории компании и свежий взгляд на ее работу. Постановка «Лебединого озера» стала первым большим проектом MKD Dance.


    Майкл Киган-Долан
    Художественный руководитель

    Майкл Киган-Долан родился в 1969 году и живет в родовом поместье в графстве Лонгфорд. Он был основателем и художественным руководителем танцевального театра Fabulous Beast.

    Среди его постановок для этого театра: Sunday Lunch — «Воскресный обед» (1997), Fragile — «Хрупкое» (1999), The Flowerbed — «Клумба» (2000), The Christmas Show — «Рождественское шоу» (2001), «Жизель» (2003), The Bull — «Телец» (2005), James Son of James — «Джеймс, сын Джеймса» (2007), «Весна священная» (2009), совместная постановка с Английской национальной оперой), Helen + Hell — «Хелен и ад» (2010), Rian — «Райан» (2011).


    Совсем недавно он как хореограф и режиссер выпустил вечер балетов Стравинского — «Весну священную» и «Петрушку», – премьера которого состоялась в театре Сэдлерс-Уэллс в Лондоне в апреле 2013 года. После этого спектакль был показан на фестивале искусств в Голуэе (Ирландия) и на фестивалях в Брисбене и Мельбурне (Австралия).

    В 2012 году он поставил оперу Генделя «Юлий Цезарь» в лондонском театре Колизей для Английской национальной оперы. В 2015 году для диптиха Гетеборгской оперы «Царство теней/Неверленд» поставил балет «Большой шум».

    В настоящее время Майкл Киган-Долан является приглашенным художественным руководителем Национальной молодежной танцевальной программы при театре Сэдлерс-Уэллс.


    Спектакль «Райан» получил в 2013 году премию Bessie Award (Нью-Йоркская премия в области танца и исполнительских искусств) и был номинирован на театральную премию газеты «Айриш Таймс» в 2011 году. Балеты «Жизель», «Телец» и «Весна священная» в разные году были номинированы на премию Лоуренса Оливье. В 2008 году Майкл Киган-Долан получил театральную премию Британского круга критиков за лучшую современную хореографию в «Тельце» (2004); балет «Жизель» получил специальный приз жюри премии «Айриш Таймс»; в 2009 году Майкл Киган-Долан и компания Fabulous Beast были номинированы на Европейскую театральную премию «Новые театральные реалии».


    Другие хореографические работы Майкла Киган-Долана в театре: оперы «Ариодант» и «Альцина» Генделя, «Манон» Массне (Английская национальная опера), «Фауст» Гуно и «Макбет» Верди (Ковент-Гарден); драма Уэбстера «Герцогиня Мальфи», мюзикл Роджерса и Хаммерстайна «Карусель», драма Софокла «Царь Эдип» (Королевский национальный театр), оперы «Идоменей» Моцарта (Фламандская опера), «Любовь к трем апельсинам» Прокофьева (Кёльнская опера), «Пиковая дама» Чайковского и «Ариодант» Генделя (Баварская государственная опера).

    Майкл Киган-Долан является приглашенным хореографом в театре Сэдлерс-Уэллс в Лондоне.


    Лебединое озеро


    Продолжительность спектакля 90 минут
    Режиссер Майкл Киган-Долан
    Художник по свету Адам Сильверман (США)
    Художник-постановщик Сабин д’Аржан (Франция)
    Художник по костюмам Доуи Люти (Германия)
    Дизайнер-консультант Том де Паор (Ирландия)
    Исполнители: Микель Мерфи (Ирландия), Педро Гомес (Португалия), Олуэн Фуэр (Ирландия), Алекс Леонхартсбергер (Австрия), Ино Рига (Греция), Рэйчел Пуарье (Ирландия), Дафне Штротман (Германия), Луиз Мокиа (Дания), Милош Галько (Словакия), Саку Койстинен (Финляндия), Зен Джефферсон (США), Эрик Невин (Швеция), Анна Касзуба (Великобритания).


    Майкл Киган-Долан, один из ведущих европейских деятелей в области театра и танца, придумал новую волшебную версию всем известного балетного сюжета — «Лебединого озера». Впечатляющие декорации и прекрасные танцы сочетаются в этом «Лебедином озере» с заразительной ирландской народной музыкой в исполнении скрипки, виолончели, банджо, вистла, голоса и ударных.


    В новом «Лебедином озере» сталкиваются древняя ирландская мифология и многогранная жизнь современной Ирландии. С помощью двенадцати танцоров и пятерых музыкантов Майкл Киган-Долан создает мир магического и реального на фоне мрачных черных стен.


    В новой сказке со знакомой фабулой главной линией повествования становится идея о том, что в темноте, грозящей нас поглотить, всегда может загореться яркий свет. В спектакле звучат песни и разговорная речь.


    Краткое содержание


    Сто лет назад в центральной Ирландии молодой священник полюбил девушку по имени Финола – красавицу, которой было всего семнадцать лет. Однажды вечером, зайдя к ней домой, он потерял самообладание и попытался ее поцеловать. Испугавшись, девушка оттолкнула его, но священник упорствовал. Услышав приглушенные крики, в комнату вбежали три младшие сестры Финолы. В панике священник принялся запугивать девушек: мол, если кто-то из них расскажет любой живой душе о том, что произошло, он вернется ночью и, пока все они будут спать, превратит их в диких животных.


    Как только священник ушел, Финола побежала в к матери, чтобы рассказать ей обо всем. Но едва она успела вымолвить хоть слово, как вместе с сестрами превратилась в лебедя. До смерти перепуганная мать выгнала четырех лебедей из дома, и они исчезли в темноте ночи. Больше она никогда не видела своих дочерей.


    Священник состарился, не переставая думать о Финоле. Он винил ее за свои горести и умер мучительной смертью раньше положенного срока.


    Архангел по имени Небесный Страж приходит к священнику в загробный мир, где тот обречен год за годом ходить по кругу и блеять как козел. Небесный Страж решает вернуть его туда, где он проклял четырех сестер, и дать ему возможность исправить свой проступок.


    Юный Джимми О'Райли и его немощная мать Нэнси живут в старом доме у озера. Именно на этом озере вот уже сто лет обитают четыре сестры в обличье лебедей. Юный Джимми в тяжелой депрессии: его отец недавно умер, и они с матерью собираются переезжать из старого фамильного дома в новое, более удобное муниципальное жилье. Но Джимми не хочет уезжать.


    Во снах Джимми начала являться Финола, но не в образе лебедя, а в виде прекрасной женщины. Она чувствует, что доброта Джимми способна разрушить проклятье.


    День рождения Джимми. Мать дарит ему ружье покойного отца в надежде, что это поможет развеять его уныние. Тем же вечером Джимми идет с отцовским ружьем в сосновый лес, что около озера. Ему настолько тоскливо, что он думает о самоубийстве. Финола появляется перед ним в обличье лебедя, а затем превращается в прекрасную молодую женщину. Джимми поражен ее красотой и влюбляется без памяти.


    Финола и Джимми обнимают друг друга, словно встретились после долгих лет разлуки. Их ласки превращаются в магический танец. Сестры Финолы окружают пару, озаренную луной. Все они прекрасны.


    Появляется священник в сопровождении Небесного Стража. Завидев их, Джимми бросается прочь, бежит домой и прячется в своей комнате. Финола до смерти перепугана появлением священника. Он просит у нее прощения, но Финола не может вымолвить ни слова и пытается убежать. Священник зол, ведь он продолжает винить ее во всех своих невзгодах. Одолев Фиону силой, он прижимает ее к земле и кричит на нее, требуя прощения. Небесный страж умоляет священника остановиться, но сам вмешаться не может.


    На следующее утро Джимми с матерью переезжают в новый дом. Член местного совета Микки МакЛафлин по прозвищу Человек приходит к ним, чтобы зафиксировать переезд на фото, ведь постройку нового жилья оплатил совет. Джимми спит, и советник будит его криком в окно. Сонный Джимми появляется в дверях, держа в руках отцовское ружье. Советник пугается его и недовольный уходит. Позже он говорит своему кузену, местному офицеру полиции Брендану МакЛафлину по прозвищу Птица, что Джимми угрожал ему оружием.


    Тем же вечером мать Джимми без его ведома организует вечеринку по случаю дня его рождения. Она надеется, что встреча с привлекательной девушкой может рассеять печаль сына, и приглашает всех подходящих местных женщин в возрасте до 50 лет. Местный священник отец Финтан МакЛафлин — кузен Человека и Птицы МакЛафлинов — приходит, чтобы благословить новое жилище. Отец Финтан поет песню, все вокруг много курят и пьют. Все женщины пытаются пригласить Джимми на танец, но он в состоянии думать только о Финоле, поэтому просто напивается в уголке.


    В разгар вечера появляются священник и Финола, одетые в черное. Никто не знает, кто они такие, но все настолько пьяны, что это никого не волнует. Джимми пил всю ночь и теряется, увидев Финолу. А священник танцует с Финолой: он знает, как много значит Джимми для нее, и поэтому хочет лишить их возможности быть вместе. Священник целует Финолу и прижимает ее к себе. Она настолько испугана, что не осмеливается взглянуть на Джимми, а тот от ревности начинает танцевать с одной из местных девушек и отвечает на ее поцелуи. Все тут же прекращают танцевать и наблюдают за Джимми и девушкой, которые целуются как бешеные. Священник заставляет Финолу смотреть на это, и та начинает рыдать.


    За окном появляются сестры Финолы, одна из них разбивает стекло. Финола вырывается от священника и убегает обратно к озеру. Джимми слишком пьян, чтобы бежать за ней. Он идет в свою комнату в старом доме и отключается.


    Весь следующий день Джимми проводит в своей комнате. Ближе к вечеру офицер МакЛафлин по прозвищу Птица приходит расспросить его об инциденте с ружьем. Думая, что его собираются взять под арест, Джимми открывает стрельбу поверх голов полицейских. Ему нужно найти Финолу, и он бежит к озеру через поле и лес. Полицейские уходят за собаками и оружием.


    Джимми находит Финолу на берегу. Она мертва: утопилась в озере. Три ее сестры плачут над телом. Джимми окружают полицейские; а сестры Финолы исчезают. Джимми уже нечего терять, он поворачивается и бесстрашно смотрит в лица полицейским. Он все еще держит в руках отцовское ружье. Офицер МакЛафлин по прозвищу Птица требует убрать оружие, но Джимми идет к полицейским, не выпуская ружья из рук. Полицейские стреляют на поражение.


    Священник видел все это. Он падает на колени и плачет.


    Умерев, Джимми встречает Финолу. Они обнимают и целуют друг друга. Столетнее проклятие снято.


    Мир наполняется цветом, светом и музыкой. Начинается танец. Финола и ее сестры молоды и прекрасны. Свадьба. Джимми счастлив, его мать улыбается.


    Священник видит все это.


    Небесный Страж и его помощники появляются из тени и забирают священника обратно в загробный мир. Он снова ходит по кругу. Казалось бы, для него на этом все закончилось, но, когда Небесный Страж собирается уходить, появляется Финола и подходит к священнику. Они ласково смотрят друг на друга. Финола обнимает священника, нежно целует в лоб и уходит.


    Всюду зажигается свет.


    Конец.


     

  • 3 / 4 ноября 2017 г.
    Rocio Molina/Росио Молина (Испания)
    В программе: «Bosque Ardorа /«Лес Ардора», хореограф и исполнитель Росио Молина
    На сцене Московского академического музыкального театра имени К.С.Станиславского и Вл.И.Немировича-Данченко

    Лес Ардора


    Росио Молина – известная ниспровергательница хореографических канонов – создала свой танцевальный язык, преосмыслив традиции фламенко: суть стиля осталась неизменным, но он стал открыт авангарду. В ее постановках виртуозная техника сочетается с современными экспериментами и дерзкими концепциями, а во главу угла поставлена свобода. Росио Молина не боится вступать в союз с другими видами искусства и сотрудничать с другими художниками. Ее работы – уникальные театральные события, в основе которых лежат идеи и приемы из кинематографа и литературы, философии и живописи.


    Неутомимая Росио Молина родилась в испанской Малаге в 1984 году и уже в три года начала заниматься танцами. В семь лет она уже придумывала хореографические композиции, в семнадцать с отличием закончила Королевскую хореографическую консерваторию “Mariemma” в Мадриде и начала выступать в профессиональных танцевальных компаниях, гастролирующих за рубежом.


    В возрасте 22 лет Росио Молина поставила свой первый спектакль Entre paredes («Между стен»), за которым последовало множество других работ: El Eterno Retorno – «Вечное возвращение» (2006) Turquesa como el limón – «Бирюзовая как лимон» (2006), «Амарио» (2007), Por el decir de la gente – «Как говорится» (2007), Oro viejo – «Старое золото» (2008), Cuando las piedras vuelen – «Когда летят камни» (2009), «Винатика» (2010), «Дансорка и Винатика» (2011), Afectos – «Привязанности» (2012) и «Лес Ардора» (2014).


    Когда Росио Молине было 26, министерство культуры Испании наградило ее национальной премией в области танца «за вклад в обновление стиля фламенко и за многогранность исполнительского таланта, в котором свобода и смелость сочетаются с разносторонним подходом».
    Два года спустя, после небывало успешного представления «Старого золота» в театре Нью-Йорк-Сити-Центр, Михаил Барышников пришел в гримерную Росио Молины и встал перед ней на колени.
    C 2015 года Росио Молина является приглашенным хореографом театра Шайо в Париже.


    Росио Молина является одним из самых влиятельных испанских деятелей искусства в мире. Ее работы демонстрируются в театрах всего мира – Сэдлерc-Уэллс в Лондоне, Линкольн-Центр в Нью-Йорке, Эспланада в Сингапуре, театр Шайо в Париже и Бункамура в Токио – и на таких международных фестивалях, как Осенний фестиваль в Мадриде и Танцующий Мадрид, фестиваль в Ниме (Франция), Dance Umbrella в Лондоне, фестиваль фламенко в Дюссельдорфе и Mercat de les Flors в Барселоне. Кроме того, ее приглашают в такие святилища фламенко, как Севильская Биеннале и фестиваль в Хересе.


    На протяжении своей карьеры Росио Молина сотрудничала с самыми заметными фигурами испанского фламенко, среди которых Мария Пахес, Мигель Поведа, Чано Лобато, Пастора Гальван, Мануэль Линьян, Белен Лопес, Мануэла Карраско, Антонио Каналес и Исраэль Гальван. Кроме того, она работала с такими видными деятелями современного искусства, как художник Карлос Маркерие, Матео Фейжоу и Себастьен Рамирес.


    Творческие достижения Росио Молины удостоились множества национальных и международных наград, в числе которых национальная премия Испании в области танца, награда за лучшее выступление на Севильской Биеннале фламенко, премия «Хирадильо» Севильской Биеннале за лучшую хореографию, премия критиков «Фламенко сегодня» как лучшему исполнителю, премия критиков Комитета фламенко в Хересе, золотая медаль провинции Малага, премия MAX в области исполнительского искусства (2015), номинация на премию Лоуренса Оливье (2015). Критики и публика единодушны в похвалах ее работам: «Это умная и одаренная танцовщица» («Эль Мундо»); «Она – как ядерная энергия в сердце атома» («Ивнинг Стандард»); «Врожденный талант к самому испанскому из всех танцев» («Эль Паис»); «Она вся – страсть: страсть всепобеждающая, раскаленная, подчиняющая себе тело и приводящая его в движение, наполняющая его красотой и яростью» («Ла Вангуардия»); «Одна из лучших виденных мною танцовщиц фламенко» («Нью-Йорк Таймс»).


    ЛЕС АРДОРА
    Продолжительность спектакля: 80 минут


    Исполнители
    Росио Молина – танец
    Эдуардо Герреро – танец
    Фернандо Хименес – танец
    Эдуардо Трассьера – гитара
    Хосе Анхель Кармона – вокал и бас-гитара
    Хосе Мануэль Рамос «Оруко» – пальмас и компас (аккомпанемент ладонями)
    Пабло Мартин Джонс – ударные и электронное сопровождение
    Хосе Висенте Ортега – тромбон
    Агустин Ороско – тромбон


    Постановщики
    Росио Молина: хореограф, художественный руководитель, дирижер-постановщик, драматург
    Матео Фейжоу: художественный руководитель, драматург
    Росарио «Ла Тремендита»: дирижер-постановщик, автор мелодий и аранжировок для вокала
    Эдуардо Трассьера: автор музыки для гитары и аранжировок для тромбонов
    Дорантес: автор музыки для тромбонов
    Пабло Мартин Каминеро: автор музыки для тромбонов
    Карлос Маркерие: художник по свету
    Пабло Мартин Джонс: проектирование звукового пространства
    Майте Доно: стихи
    Хосе Аумада: костюмы Росио Молины
    Соледад Сесенья: стилист
    Гальярдо: обувь
    Оскар Вильегас: консультант по актерскому мастерству
    Херард Хиль и Давид Фернандес: видео
    Рафаэль Эрнандес: консультант по верховой езде
    Производство: Danza Molina S.L.
    Исполнительный продюсер: Мистер Данте


    Совместная постановка со следующими учреждениями:
    Лионская танцевальная биеннале, Марсельский фестиваль танца и искусства, Национальный театр Шайо, театр Оливье в Марселе, Управление культуры Западного Прованса, международный фестиваль «Танцующий Мадрид», фестиваль Mercat de les Flors в Барселоне, Севильская биеннале фламенко, театр Нима (сцена современного танца), Национальный балет Марселя, театр Вильфранша


    Краткое содержание
    Росио выбрала себе мужчин: двух танцоров и шестерых музыкантов. Дверь закрывается. Восемь мужчин стоят перед женщиной – танцовщицей, волшебницей, соблазнительницей, охотницей, любовницей. Она знает мужские слабости и готова стать добычей, но при этом будет командовать ими, направлять их, любить их, побеждать их и наконец покинет их. Росио Молина похожа на цветок. «Но этот цветок, – говорит она, – растет на скале и умирает, чтобы воскреснуть еще более красивым и сильным».
    «Лес Ардора» начинается с четырехминутного ролика, проецирующегося на сетчатый занавес: занимается прекрасная заря, Росио едет верхом через воображаемый лес. Потом занавес поднимается, и Росио появляется на сцене – богиня, одетая в бархат, кожу и мех; фея, амазонка, небожительница...


    Мужчины пристально смотрят на нее, но она уворачивается от них. Шаги, взгляды, движения плеч... Кто охотник, кто добыча? Росио заводит с мужчинами игру, и они подпадают под ее чары; она господствует, а тот, кто играет с ней, счастлив ей подчиниться. Эмоции пронизывают весь спектакль и ведут зрителей сквозь перипетии этого далеко не всегда сказочного сюжета.
    На сцене пусто, только несколько деревьев с обнаженными корнями позволяют участникам игры скрыться от взглядов публики, затаиться в засаде, выследить свою дичь. Никто не уйдет со сцены, пока длится спектакль.
    По сценарию Матео Фейжоу и Росио Молина сценическое действие короткого спектакля растягивается на целый день: от рассвета до заката. Световая партитура Карлоса Маркерие воспроизводит движение солнца: от ослепительного полудня до жутковатых сумерек.
    Росио Молина проводит свои импровизационные эксперименты в стиле «импульсивного танца» в самых неожиданных местах – в барселонском фонтане, на берегу Сены в Париже, в Центральном парке Нью-Йорка – и благодаря им обретает свободу движений и свободу ритма. Она не боится никого, включая себя саму, и со страстью отдается дикарской, почти языческой танцевальной партитуре фламенко. Но в ее танце есть и чистота движения, и виртуозные дроби, и многое другое.

     

  • 10 / 11 ноября 2017 г.
    Dresden Frankfurt Dance Company /Танцевальная компания Дрездена-Франкфурта (Германия)
    В программе: «Высокая порода/Эхо беспокойной души/ Вечный двигатель», хореограф Якопо Годани
    На сцене Московского академического музыкального театра имени К.С.Станиславского и Вл.И.Немировича-Данченко

    Высокая порода. Эхо беспокойной души. Вечный двигатель


    Якопо Годани славится новизной и яркостью танцевального языка В трех его одноактных балетах классическая хореографическая традиция смыкается с достижениями современного танца, а музыка электро-акустического ансамбля чередуется с фортепианными произведениями Равеля.

     

  • 16 / 17 ноября 2017 г.
    Ballet National de Marseille / Национальный балет Марселя (Франция),
    В программе: «Кордебалет национального балета Марселя Болеро», хореографы Эмио Греко и Питер Шольтен
    На сцене Московского музыкального театра «Геликон-Опера»

    Le Cops du Ballet Болеро


    Национальный балет Марселя


    Создан в 1972 году хореографом Роланом Пети. Национальный балет Марселя (НБМ) был одной из первых танцевальных компаний, которая получила статус Национального хореографического центра (в 1984 году). В 1992 для компании было выстроено новое здание, которое она и занимает по сей день. С 1998 по 2004 годы НБМ возглавляла Мари-Клод Пьетрагалла, а с 2004 по 2013 – Фредерик Фламан. Оба хореографа открывали перед балетом Марселя новые творческие горизонты.


    С сентября 2014 года балетом Марселя руководят Эмио Греко и Питер Шольтен. Они планируют продолжать тот же подход, который использовали, работая над совместным проектом, стартовавшим в 2009 году в Амстердаме — международным танцевальным центром ICKamsterdam. Они создали свою вселенную, свой язык, заимствуя лексику как классического, так и постмодернистского танца. В программе мероприятий марсельского балета, названной «бунтующее тело», они обсуждают положение художника в обществе, а в программе le corps du ballet исследуют новую форму существования современного балета.


    В настоящее время в труппе Национального балета Марселя 26 постоянных артистов и 5 стажеров; подготовлена новая гастрольная программа.


    Эмио Греко и Питер Шольтен


    Эмио Греко — танцовщик из южной Италии, а Питер Шольтен — руководитель экспериментального театра в Нидерландах. Они начали работать вместе в 1990-х годах и превратили свое творческое сотрудничество в хореографическое приключение. Заинтересовавшись в 1995 году человеческим телом и внутренними мотивами его поведения, они создали свой первый проект – танцевальный моноспектакль Bianco – «Бьянко», который стал первой частью трилогии «Между мозгом и движением». Трилогия сопровождалась художественным манифестом о теле и семи принципах телесной логики. Этот манифест заложил основу нового языка, который они продолжают развивать.


    Чтобы описать их творчество и его самобытность, в котором постоянный поиск сочетается с мощным воображением, пришлось создать новый термин — «экстремализм». С первых дней существования компании EG I PC Эмио Греко и Питер Шольтен развивают собственную вселенную и хореографический язык, выкованный из напряжения и синхронности; они заимствуют лексику и у классического танца, и у постмодернистского танца. Причудливая театральность, которой наполнены танцевальные номера, и высокое качество то повторяющихся, то расцветающих разнообразием танцевальных движений Эмио Греко и его танцовщиков – все это вписано в жестко заданные рамки хореографической партитуры с тем, чтобы в каждом произведении воплотить фантастические пластические конструкты. В их работах отражается человеческое тело, этот незнакомец, вхожий во множество чувственных миров – отражается так, словно оно и творит все эти истории, погружаясь в неожиданные, загадочные пространства, где залитые светом декорации – цветные либо монохромные – ведут диалог с музыкой.


    Среди последних проектов Эмио Греко и Питера Шольтена «Комедия» (2011), «Рокко» (2011), «Страсти в дуэте» (2012), «Двойные значения: экстремализм» (2012), «Последнее прощание» (2012), «Двойные значения: Верди» (2013), «Мужчина без причины» (2013), «Сопрано» (2014), Le Corps du Ballet в Национальном балете Марселя и «Экстремализм» (2015).


    За многие из этих спектаклей, которые зачастую были поставлены совместно с крупными фестивалями и театрами и объехали весь мир, Эмио Греко и Питер Шольтен были удостоены множества международных премий.


    Le Corps du Ballet


    Продолжительность спектакля 70 минут
    17 танцовщиков
    Идея и хореография: Эмио Греко и Питер Шольтен
    Звукорежиссер: Питер Шольтен
    Художник по свету: Хенк Даннер
    Художник по костюмам: Клиффорд Портье
    Первая постановка (с 21 танцовщиком): 14 марта 2015 года в Национальном театре Марселя
    Совместно с танцевальным центром ICKamsterdam


    Le Corps du Ballet был первым проектом, созданным руководителями Национального балета Марселя балета Эмио Греко и Питером Шольтеном.


    Эмио Греко и Питер Шольтен задались целью найти для Национального балета Марселя новый облик, для чего им пришлось критически оценить состояние балетного искусства. Оба они приобрели театральный опыт еще в юности: один из них начинал как театральный режиссер и балетный драматург, а другой был высококлассным исполнителем в компании Яна Фабра. Отправной точкой их сотрудничества в 1995 году стал интерес к нестандартному танцу – новому подходу, основанному на классической технике и мощной пластической индивидуальности Эмио Греко.


    В 2011 году Эмио Греко и Питера Шольтена пригласили сотрудничать с Балетом Монте-Карло, а в 2013 году – с Датским королевским балетом. К этим двум истинно классическим труппам они подошли с отточенных художественных и технических позиций, которые разрабатывали со времени своего первого художественного манифеста – моноспектакля «Бьянко» (1996). Их интерес к поиску и созданию нового в балетной технике зародился в том числе благодаря известной книге Элиаса Канетти «Масса и власть». Главные темы этой книги – синхронность и отношения между индивидуальным и общественным. Таким образом Эмио Греко и Питер Шольтен нашли подход к классической балетной труппе с ее организацией и иерархией. Греко и Шольтена привлекают не только технические аспекты балета, но и аспекты социальные, и даже политические. «Балет – это артефакт, знаковое слово, в котором заключен весь мир». Оно используется разными способами и приобрело более широкое значение, чем стандартизированная танцевальная техника, сформировавшаяся при Людовике XIV; метонимически слово «балет» сегодня употребляется для обозначения танца как такового во всем многообразии его форм.


    Для Эмио Греко и Питера Шольтена Le Corps du Ballet – идеальный проект для формирования нового облика Национального балета Марселя. Этот спектакль позволил им продолжить предыдущий поиск и ввести новый импульс в диалог между классическим и современным танцем, характерный для всех их работ.


    Boléro


    Продолжительность спектакля 25 минут
    От 9 до 18 танцовщиков
    Идея и хореография: Эмио Греко и Питер Шольтен
    Художник по свету: Хенк Даннер
    Художник по костюмам: Клиффорд Портье
    Звукорежиссер: Питер Шольтен
    Музыка: «Болеро» Мориса Равеля © Nordice B.V. / Redfield B.V
    Премьера: 5 августа 2015 года в Оперном театре Марселя.
    Совместно с танцевальным центром ICKamsterdam


    Когда труппа Брониславы Нижинской впервые исполнила «Болеро», танцовщики двигались среди декораций в испанском стиле, а напряжение строилось вокруг танцовщицы болеро, соблазняющей мужчин как Кармен в знаменитой оперной сцене. Впоследствии Равель говорил, что он хотел бы поместить танцовщиков в заводскую среду – явно в стиле картин Фернана Леже – где множество линий и изгибов создавало бы контраст к линейной, повторяющейся мелодии.


    Эмио Греко и Питер Шольтен не стали ломать голову над сценографией и сконцентрировались на конфликте тела и музыки. Они продолжают исследования, связанные с «бунтующим телом», и музыка перестает набрасывать контуры сюжета: она становится главным действующим лицом, с которым взаимодействуют все танцовщики. Схватка девяти танцовщиков и симфонического оркестра может показаться неравной, но танцовщикам нужно освободиться от музыки, даже если их тела резонируют в ответ ей. Музыка Boléro – не просто сила, одолевающая танцовщиков, но поле внутренней битвы, отражающее двойственность каждого человека. Тело, столкнувшись с непреклонной ритмической линией, раскрывает свои сомнения, конфликты и желания. Поэтому чувство освобождения можно ощутить только в конце, когда в партитуре безжалостно сталкиваются звуки, а роли окончательно меняются.

     

  • 28 / 29 ноября 2017 г.
    Ballett Zurich /Балет Цюриха (Швейцария)
    В программе: «Щелкунчик и Мышиный король», хореограф Кристиан Шпук
    На сцене Большого театра, Новая сцена

    Щелкунчик и Мышиный король


    Балет Цюриха


    Балет Цюриха – старейшая профессиональная балетная компания Швейцарии, хорошо известная за пределами страны по успешным гастролям. В ее составе 36 исполнителей. С сезона 2012/13 Балет Цюриха возглавляет Кристиан Шпук.


    В настоящий момент компания базируется в Цюрихской опере, но изначально она была балетом Цюрихского городского театра. Труппу развивали возглавлявшие ее в разные годы Николай Березов, Патриция Нири, Уве Шольц и Бернд Бинерт. Швейцарский хореограф Хайнц Шпёрли, директор Балета Цюриха в 1996—2012, всего за несколько лет превратил его в одну из ведущих балетных компаний Европы. Под руководством немецкого хореографа Кристиана Шпука компания продолжает блюсти свои сложившиеся традиции и осваивать новые художественные пути, используя новаторскую хореографию для развития жанра традиционного сюжетного балета, но уделяя внимание и современному абстрактному танцу. Выдающиеся мировые хореографы – Уильям Форсайт, Пол Лайтфут и Соль Леон, Дуглас Ли, Мартин Шлепфер, Иржи Килиан, Уэйн Макгрегор, Марко Гёке, Матс Эк и другие – приезжают в Цюрих и обеспечивают труппе стилистическое разнообразие репертуара. Программа для молодых хореографов предоставляет членам труппы возможность взять на себя создание спектаклей.


    В 2001 году был учрежден Юношеский балет – программа для талантливых молодых артистов. Благодаря ей молодые артисты балета со всего мира могут получить поддержку во время перехода от обучения к профессиональной карьере. Участие в программе длится до двух лет; участники занимаются вместе с труппой Балета Цюриха, танцуют в некоторых репертуарных спектаклях и таким образом получают бесценный для карьеры танцовщика сценический опыт.


    Балет Цюриха ведет разностороннюю работу с публикой: сюда входят публичные презентации будущих премьер, вводные лекции перед представлениями, регулярные обсуждения балетов и большое количество разных проектов для детей, молодежи и учебных заведений.


    Кристиан Шпук
    Художественный руководитель


    Кристиан Шпук родился в немецком городе Марбург, с сезона 2012/13 возглавляет Балет Цюриха. Учился танцевать в знаменитой школе Джона Крэнко в Штутгарте, выступал в труппе Яна Лауерса Needcompany и в ансамбле Анны Терезы де Кеерсмакер Rosas. В 1995 году вступил в труппу Штутгартского балета, а в 2001 году стал ее штатным хореографом. Поставил для Штутгартского балета такие спектакли, как das siebte blau – «Седьмой синий» (2000), Lulu. Eine Monstretragödie – «Лулу. Трагедия монстра» (2003), Der Sandmann – «Песочный человек» (2006) и Das Fräulein von S. – «Мадемуазель де С.» (2012)


    Кристиан Шпук ставил спектакли для многих известных танцевальных коллективов в Европе и Америке. В их числе: Morphing Games – «Игры с формой» для итальянской компании Aterballetto (1999); «Адажио» для Нью-Йорк Сити балета (2000); this- – «Это...» для балета Берлинской национальной оперы (2003); The Restless – «Неутомимые» для чикагской компании Hubbard Street Dance 2 (2005); «Возвращение Улисса» для Фламандского королевского балета (2006, гастроли на международном фестивале в Эдинбурге в 2009 году); «Леонс и Лена» для балета театра Аальто в Эссене (2008) – спектакль впоследствии вошел в репертуар Большого канадского балета Монреаля, Штутгартского балета и Балета Цюриха; «Войцек» для Национального балета Осло (2011) – спектакль входит в репертуар Балета Цюриха. Для Балета Цюриха Шпук поставил «Ромео и Джульетту» (2012), «Сонет» (2014) и «Анну Каренину» (2014).


    В последние годы Кристиан Шпук направил свой талант на музыкальный театр и кинематограф. Среди его оперных постановок «Орфей и Эвридика» в Штутгартской опере (2009), «Фальстаф» в театре Висбадена (2010) и «Осуждение Фауста» для берлинской Дойче-Опер (2014). В 2006 году телеканал ARTE транслировал 25-минутный танцевальный фильм Шпука с участием Марсии Хайде и Роберта Тьюсли.


    В 2005 году балет Шпука «Дети», поставленный для театра Аальто в Эссене, был номинирован на премию Benois de la Danse. А балет «Поппея//Поппея» для компании Gauthier Dance, базирующейся в Театральном доме Штутгарта, стал одним из 10 наиболее успешных танцевальных спектаклей 2010 года по версии журнала Dance Europe и завоевал в 2011 году немецкую театральную премию «Фауст» и итальянскую премию Danza/Danza.


    Щелкунчик и Мышиный король
    Хореография: Кристиан Шпук
    Музыка: Петр Ильич Чайковский
    Дирижер: Пол Коннелли, Яннис Пуспурикас
    Художник-постановщик: Руфус Дидвишюс
    Художник по костюмам: Буки Шифф
    Художник по свету: Мартин Гебхардт
    Хормейстер: Эрнст Раффельсбергер
    Драматурги: Михаэль Кюстер, Клаус Шпан
    Премьера: 14 октября 2017 года, Цюрихская опера


    По одноименной сказке Э.Т.А. Гофмана
    Переработка сценария – Клаус Шпан


    Стоит только подумать о музыке Чайковского к балету «Щелкунчик», как слышишь волшебный звук челесты, сопровождающий знаменитый танец Феи Драже, а перед глазами встает гостиная в роскошном рождественском убранстве и кружатся в вальсах снежинки и цветы.

    Музыка Чайковского – яркая, ясная, изобретательная – сделала «Щелкунчика» одним из самых популярных произведений балетного репертуара. Запоминающиеся мелодии обрамляют историю девочки Мари. Под действием магии рождественских подарков она приходит в состояние неестественного лихорадочного сна, где игрушки и сладости оживают и вступают в бой со страшными мышами, а под конец деревянный Щелкунчик побеждает и становится Прекрасным принцем.


    Сюжет «Щелкунчика» основан на сказке Э.Т.А. Гофмана, которая, став балетным либретто, утратила львиную долю своей темной романтической мистики. В частности, второй акт балета состоит только из дивертисментов – колоритные танцевальные номера и зрелищные сценические эффекты сменяют друг друга, в то время как действие нисколько не развивается. Гофман же, напротив, ведет сюжет дальше: он рассказывает сказку внутри сказки (в балете от нее не осталось и следа) и тонко балансирует между воображением и реальностью. Кристиана Шпука больше интересует фантастическая природа первоначальной истории, чем ее прелестная рождественская оболочка. В своей новой постановке он населяет сцену всевозможными персонажами Гофмана и создает остроумный и причудливо-инфернальный спектакль.


    Немецкий хореограф Кристиан Шпук


  • 2 / 3 декабря 2017 г.
    Jessica Lang Dance / Джессики Ланг Дэнс / (США),
    В программе: Соло Баха/ Сладкая тихая дума / Взгляд на тысячу ярдов/ Вызов/ Белый /i.n.k.
    Хореограф Джессика Ланг
    На сцене Московского музыкального театра «Геликон-Опера»

    Соло Баха. Сладкая тихая дума. Взгляд на тысячу ярдов. Вызов. Белый. i.n.k.


    Спектакли элегантной и интеллектуальной Джессики Ланг поражают полной слитностью красоты тела, движения и музыки в необычном антураже и с необычными аксессуарами. В своих шести танцевальных пьесах она обращается к классической музыке и поэзии, сочетая танец с видео-артом и светом.

    Джессика Ланг