РУ | EN

DANCE INVERSION

Международный фестиваль современного танца
  • 25 / 26 сентября 2017 г.
    Danza Contemporanea de Cuba / Компания современного танца Кубы,
    В программе: Этнородина/Кубинское танго/Кристалл
    На сцене Московского академического музыкального театра имени К.С.Станиславского и Вл.И.Немировича-Данченко

    Этнородина. Кубинское танго. Кристалл


    Компания современного танца Кубы
    Директор компании: Мигель А. Иглесиас-Феррер
    Управляющий: Хорхе Брукс Гремпс
    Педагог: Йоэрлис Брунет Аренсибия


    Труппа:
    Хавьер Агилера, Андрес Асканьо, Рауль Баррера, Лейна Гонсалес, Ньосбель О. Гонсалес, Эсвен С. Гонсалес, Эриберто Менесес, Пенелопа Морехон, Иосмали Ордоньес, Анабель Помар, Майкел Понс, Лаура Риос, Данни Родригес, Клаудиа Э. Родригес, Дайрон Ромеро, Норхе Седеньо, Ильяна Солис, Таис Суарес, Дженнифер Техеда, А. Аманда Фернандес, Виктор М. Фернандес, Стефани Харди, Хосе А. Элиас, Арелис Эрнандес.


    Резиденты-хореографы:
    Хорхе Абриль, Исидро Роландо, Норхе Седеньо, Хулио Сесар Иглесиас, Джордж Сеспедес.


    Приглашенные хореографы:
    Самир Акика, Рафаэль Боначела, Ицик Галили, Джанни ди Чикко, Хуан Крус Диас де Гарайо Эснаола, Кеннет Квамстрём, Тео Клинкард, Ян Линкенс, Анхельс Маргарит, Кэти Марстон, Педро Руис, Хоакин Сабате, Матс Эк.


    Режиссер: Федерико Ромильо Родригес
    Художник по свету и осветитель: Фернандо Хавьер Алонсо Коусо
    Звукоинженер: Хосе Мануэль Мартинес де Вальдивьельсо
    Менеджер по связям с общественностью: Хосе Эрнесто Гонсалес Москера
    Изготовление костюмов: Тамара Гарсиа Маркес


    Компания современного танца Кубы была основана Рамиро Гуэррой 25 сентября 1959 года, когда она выделилась из состава балетной труппы кубинского Национального театра. Первоначальное название компании – Ансамбль современного танца. В 1962 труппа стала называться Национальным ансамблем современного танца, а в 1974 получила название Национальная танцевальная компания Кубы. Сегодня ее возглавляет Мигель Иглесиас, танцевавший в труппе с 1975 года.
    Компания сразу же получила неоспоримое международное признание. За все время своего существования она выпустила более трехсот спектаклей, приводивших в восторг зрителей разных стран, выступала с гастролями на самых престижных мировых сценах перед самой взыскательной аудиторией и заслужила одобрение многих балетных критиков. Начало ее триумфальному пути положил зарубежный дебют в театре Сары Бернар на пятом Фестивале Наций в Париже в 1961 году и выступления в московском Концертном зале им. П.И. Чайковского. в том же году. С этого момента Компания современного танца Кубы гастролирует на ведущих сценах всех континентов планеты.


    В активном репертуаре Компании современного танца Кубы – широкий спектр произведений, раскрывающих универсальность труппы, колоссальные возможности ее уникального стиля интерпретации и гармоничную интеграцию с другими формами искусства в контексте современного танца. В них сочетаются разнообразные стили и манеры исполнения, в основе которых лежит традиционное для Кубы смешение испано-европейской и африканской культур.


    Компания современного танца Кубы стоит у истоков всего кубинского контемпорари. Из этой труппы вышли самые заметные фигуры танцевального мира Кубы, в ней зародилось множество знаменательных проектов. Компания сохраняет дух новаторства, который был присущ ее основателям, и поддерживает их принципы. За счет этого она открыта любым тенденциям, возникающим в танцевальном мире, и готова пробовать их на себе, не забывая при этом о сущности своей техники как плавильного котла разных стилей.
    Благодаря своей многогранности Компания современного танца Кубы является на сегодняшний день одной из наиболее универсальных трупп в мире, и своим огромным репертуаром демонстрирует способность воспринимать и интерпретировать самые разные танцевальные стили. Свой пятьдесят восьмой день рождения (25 сентября 2017 года) компания отпразднует выступлением в Москве, где последний раз гастролировала 32 года назад, и представит три спектакля последних лет: дерзкий «Кристалл» Хулио Сесара Иглесиаса; лиричное, современное и очень колоритное «Кубинское танго» Билли Кауи; и, наконец, «Этнородину» – размышление о чуткой и страстной кубинской душе.


    Уникальность Компании современного танца Кубы основана на эстетических принципах, берущих начало в технике кубинского современного танца. Вот уже почти шесть десятков лет она пробует и перерабатывает все креативные достижения, которые могут предложить ее кубинские корни.
    Хорхе Брукс Гремпс.


    Кристалл
    Продолжительность: 35 минут
    Участвуют 16 танцовщиков
    Хореограф: Хулио Сесар Иглесиас
    Ассистенты хореографа: Томас Гуиларте, Крис де Фейтер
    Музыка: Макс Ритчер; Джей-Лоутон; «Hagal» группы Wardruna; «Love is Blindness» Джека Уайта; «Hardest Day» группы Tropic of Cancer, «Sea Inside» Роберта Хайдена a.k.a. Desierto de los leones; композиции микширует вживую Джей-Лоутон
    Художник по костюмам: Хулио Сесар Иглесиас
    Художник по свету: Фернандо Алонсо


    Собирая масштабный коллаж из множества элементов, Иглесиас в своей постановке исследует жизнь современной кубинской городской молодежи. В его хореографии свободная, безудержная экспрессивность сочетается с абстрактным контролем над телом и театральным танцем.
    «Хрупкость, красота и стеклянная прозрачность».
    (Мэрилин Гарби, «Ла Хирибилья», 25 октября 2014)


    «Лучше всего этому спектаклю подходит определение “многогранный”. Хулио Сесар не просто реагирует на карибские реалии в стиле “Бури и натиска” – его хореография демонстрирует островные типажи, обогащая их знаниями и обычаями других географических регионов».
    (Лаура Доминго Агуэро, «Ла Гасета де Куба», январь-февраль 2015)


    «”Кристалл” предлагает нам анализ общества второй половины XX века с его скепсисом, агрессией, манипулятивностью, смешением границ между полами и отказом от индивидуального ради массовости. Танцовщики, воплощающие идеи хореографа, – великолепные актеры; их персонажи – плоть от плоти культурной индустрии, вырабатывающей стереотипы, которые нужно принять как норму, словно ничего важнее нет. Заряд иронии делает удовольствие еще острее – по крайней мере для зрителей.
    Без сомнения, это произведение – жесткий социальный портрет, не имеющий срока годности, – станет большим репертуарным козырем для компании».
    (Марта Санчес, портал OnCuba, сентябрь 2015).


    Кубинское танго
    Продолжительность: 29 минут
    20 танцовщиков
    Хореография, музыка и текст: Билли Кауи
    Ассистенты хореографа: Лувьен Медерос, Томас Гуиларте, Хорхе Абриль
    Видеодизайн: Силке Мансхольт
    Художник по костюмам: Холли Мюррей
    Вокал: Клара Гарсиа Фрайле
    Скрипка: Тадаске Иидзима
    Художники по свету: Фернандо Алонсо и Билли Кауи


    Медленные и меланхоличные танцы «Кубинского танго» поэтично выявляют, как люди соблазняют друг друга. На фоне огромных черно-белых проекций детских рисунков и картин Пикассо Кауи изящно выстраивает танцовщиков в длинные, абсолютно синхронно двигающиеся ряды, а их томная грация заставляет зрителя фокусировать внимание на самых простых движениях.


    «Симметричный поцелуй Билли Кауи.
    Целуются крепко, страстно, симметрично; целуются раскачиваясь, передвигаясь, танцуя – танцуя в ритме танго. Британец Билли Кауи – музыкант, поэт и хореограф – в своем «Кубинском танго» доводит до абсолюта этот будничный уличный поцелуй наших дней. Точными фразами (будь то словесный или хореографический текст) он поэтически описывает способы соблазнения и элегантно развлекает публику под бокал легкого пива: ни привычного оппортунизма, ни ложной скромности в его спектакле нет. Кауи находит точную и динамичную модель, внутри которой его танцовщики могут сохранять определенную неформальную свободу, но в то же время должны подчиняться единообразию, установившемуся среди сегодняшнего кубинского общества. Эта модель универсальна, даже если не отражает самые запутанные аспекты жизни нашего острова».
    (Андре Д’Абрё, «Ла Хирибилья», 27-27 февраля 2015)


    «Компания современного танца Кубы не желает отдыхать.
    Шотландец Билли Кауи поставил “Кубинское танго” за две недели.
    Взрывные движения, физическая выносливость, импровизация: танцовщикам здесь приходится выйти из зоны комфорта. Но есть ли для них хоть что-то невозможное? Полной свободы движений у них нет, но все, что они могут сделать, они делают тщательно и безукоризненно. Они излучают нежность и уязвимость и жестикулируют с подчеркнутой выразительностью, то и дело поднимаясь на полупальцы.
    Билли Кауи создал “балет о Кубе”: десять историй о Гаване вращаются вокруг любви, которой не суждена долгая жизнь. Параллельно разворачивается история о танце. Спектакль вдохновлен кубинской повседневностью: герои пьют на балконе пиво “Кристалл”, встречают друг друга на автобусной остановке, празднуют день Святого Валентина.
    Мостом между историями, рассказанными в танце, служит голос рассказчицы. Каждая сцена коротка и продуманна.
    Хореография наслаждается какофонией; свет и костюмы помогают создать обстановку, которая позволяет пристальнее разглядеть каждое движение и разгадать каждое намерение».
    (Хосе Эрнесто Гонсалес Москера, «Контемпорари Куба», 15 февраля 2015)


    Этнородина
    Продолжительность: 30 минут
    23 танцовщика
    Хореограф: Джордж Сеспедес
    Ассистент хореографа: Йоэрлис Брунет Аренсибия
    Музыка: Nacional Electrónica; «Vete de mí» Эрманоса Эспозито в исполнении Игнасио Вилья a.k.a. Bola de nieve
    Художник по костюмам: Джордж Сеспедес
    Художник по свету: Ариэль Капоте Гранадо


    «Один из моих коллег как-то сказал на репетиции “Кармины Бураны”: “В твоей хореографии мне видятся числа, а порой и сам Пифагор”. Это даже не числа – это арифметика войны. Джордж показывает в танце свое к ней отношение. Ключевой элемент в “Этнородине” – марш. Танцовщики маршируют с каменными лицами, словно вымуштрованный батальон, который не просто выполняет приказ, а делает то, что чего был рожден.
    Два других элемента в «Этнородине», создающих ее органическое стилистическое единство – танец мамбо и кубинская национальная идентичность. За ее создание Джордж Сеспедес удостоился награды Союза писателей и артистов Кубы Критик Вильянуэва-2015 как лучший хореограф».
    (Таис Гарсиа, «Ла Хирибилья», 06-12 февраля 2015)


     

    photo Johan Persson

  • 4 / 5 октября 2017 г.
    Les Ballets de Monte-Carlo/Балет Монте-Карло (Монако),
    В программе: «Красавица», хореограф Жан-Кристоф Майо
    На сцене Большого театра, Историческая сцена

    Красавица


    Труппа


    Балетная труппа Монте-Карло была создана в 1985 году по желанию Ее Королевского Высочества принцессы Ганноверской Каролины, которая хотела развить танцевальные традиции Монако. Руководство новой труппой взяли на себя Гилен Тесмар и Пьер Лакотт, а затем Жан-Ив Эскер.


    В 1993 году принцесса Каролина назначила руководителем Балета Монте-Карло Жана-Кристофа Майо. Он принес в труппу свой богатый танцевальный опыт, полученный под руководством Розеллы Хайтауэр и Джона Ноймайера, а также опыт руководства Национальным центром хореографии Тура. Как хореограф Жан-Кристоф Майо создал для труппы более тридцати балетов. Некоторые из них вошли в репертуар крупнейших мировых театров. Культовые работы Майо принесли Балету Монте-Карло всемирную известность.


    Жан-Кристоф Майо развивает репертуар труппы, приглашая лучших хореографов современности, но дает возможность и молодым хореографам проявить свой талант, предоставляя в их распоряжение 50 великолепных танцовщиков Балета Монте-Карло. В числе приглашенных хореографов у него работали Сиди Ларби Шеркауи, Шэнь Вэй, Алонсо Кинг, Эмио Греко, Крис Харинг, Марко Гёке, Люсинда Чайлдс, Уильям Форсайт, Иржи Килиан, Кароль Армитаж, Морис Бежар и даже Мари Шуинар.


    В 2011 г. под патронатом Её Высочества принцессы Ганноверской и руководством Жана-Кристофа Майо три учреждения – Балет Монте-Карло, Танцевальный форум Монако и Академия танца имени княгини Грейс – были объединены в единую организацию, которая теперь занимается развитием международной труппы, проведением фестивалей и обучением танцовщиков. Творчество, продюсирование и профессиональная подготовка теперь сосредоточены в одной структуре, чтобы служить хореографии как никогда прежде.


    Жан-Кристоф Майо


    Жан-Кристоф Майо родился в 1960 году, учился балету и игре на фортепиано в Национальной консерватории Тура, затем (до 1977 года) у Розеллы Хайтауэр в Международной школе танца в Каннах. В 1977 году был награжден Призом Международного юношеского конкурса в Лозанне, затем поступил в труппу Гамбургского балета Джона Ноймайера, солистом которой являлся в течение последующих пяти лет, исполняя главные партии. В разгар карьеры ему пришлось уйти со сцены из-за травмы.


    В 1983 году он вернулся в Тур и стал хореографом и руководителем балетной труппы Большого театра Тура, впоследствии преобразованного в Национальный центр хореографии. Для этой труппы Майо поставил свыше двадцати балетов, а в 1985 году учредил фестивальLe Chorégraphique. В 1987 году Майо поставил «Чудесный мандарин» для Балета Монте-Карло – и имел исключительный успех. В сезоне 1992/93 он стал художественным советником Балета Монте-Карло, а в сентябре 1993 г. принцесса Каролина назначила его художественным руководителем театра.


    Под руководством Майо начался новый этап в развитии Балета Монте-Карло. Труппа быстро прогрессировала в своем развитии и вот уже двадцать лет носит заслуженную репутацию высокопрофессионального, творчески зрелого коллектива. Майо поставил для нее несколько десятков балетов, ряд из которых – например, «К земле обетованной» (1995), «Ромео и Джульетта» (1996), «Золушка» (1999), «Красавица» (2001), «Сон» (2005), «Другая песнь» (2006), «Фауст» (2007), «Озеро» (2011), «Хорео» (2013) и «Труппа “Щелкунчика”» (2013) завоевали международное признание. Некоторые из этих работ включены в репертуар ведущих балетных театров мира – Большого балета Канады, Королевского Шведского балета, Национального балета Кореи, Штутгартского балета, Королевского Датского балета, балета Большого театра Женевы, Тихоокеанского северо-западного балета, Американского театра балета и Балета Бежара в Лозанне. В 2014 году Майо поставил «Укрощение строптивой» для балетной труппы Большого театра.


    Жан-Кристоф Майо внимательно следит за работой других артистов. Он известен своей открытостью и всегда готов к сотрудничеству с хореографами, работающими в других стилях. В 2000 году, стремясь представить хореографическое искусство во всем его многообразии, он основал Танцевальный форум Монако – международный фестиваль танца, в рамках которого проводятся разнообразные спектакли, выставки, семинары и конференции.


    В 2007 году он поставил свою первую оперу «Фауст» в Государственном театре Висбадена, в 2009 году – «Норму» в Опере Монте-Карло. В 2007 году создал свой первый фильм-балет «Золушка», в 2008 году – фильм-балет «Сон». В 2009 году разработал и координировал программу фестиваля «Столетие “Русских сезонов”» в Монако, в рамках которого княжество в течение года посетили более 50 балетных трупп и хореографов, собрав аудиторию в 60 тысяч зрителей.


    Жан-Кристоф Майо является кавалером Ордена Княжества Монако за заслуги в области культуры, а также французских орденов Искусств и изящной словесности и Почетного легиона. 17 ноября 2005 года князь Монако Альберт II наградил Жан-Кристофа Майо Орденом Святого Карла. В 2008 году в Москве он был удостоен премииBenois de la Danse в номинации «Лучший хореограф», а в 2010 году в Испании – премииDanza Valencia. В 2015 году его балет «Укрощение строптивой» получил «Золотую маску» в нескольких номинациях, в том числе как лучший балетный спектакль.


     

    Жан-Кристоф Майо:


    Я создал «Красавицу» более пятнадцати лет назад и, конечно, та версия балета, которую публика увидит сегодня, отличается от оригинальной. Мои балеты постоянно меняются. Они не застывают во времени, не сводятся к единственному варианту, в котором впервые увидели свет. Искусство хореографии находится в постоянном движении, бесконечно трансформируется. В труппу приходят новые танцовщики, привнося в спектакль свои чувства, свое восприятие, свой уникальный талант. Работающие над балетом специалисты, будь то дизайнеры, сценографы, музыканты или авторы либретто, тоже проходят через перемены, добавляя новые идеи. Я не перестаю говорить, что мои спектакли – это не запись в архиве, не неприкосновенный экспонат. Наоборот, для меня радость видеть, как они преображаются, – это главный стимул, чтобы продолжать работу.


    Красавица
    Хореография: Жан-Кристоф Майо
    Музыка: Петр Ильич Чайковский
    Художник-постановщик: Эрнест Пиньон-Эрнест
    Художник по костюмам: Филипп Гийотель
    Художник по свету: Доминик Дрийо
    С участием Филармонического оркестра Монте-Карло под управлением Николя Брошо
    Премьера состоялась 27 декабря в центре Гримальди-форум в Монако

     

    photos by Alice Blangero - with Liisa Hamalainen & Alexis Oliveira

  • 10 / 11 октября 2017 г.
    Teac Damsa (Ирландия),
    В программе: «Лебединое озеро», хореограф и режиссер Майкл Киган-Долан
    На сцене Театра Наций

    Лебединое озеро / Loch na hEala


    Постановка Майкала Кигана-Долана


    Драматург, режиссер и постановщик : Michael Keegan-Dolan
    Декорации: Sabine Dargent
    Костюмы: Hyemi Shin
    Художник по свету: Adam Silverman
    Музыка: Slow Moving Clouds


    Исполнители


    Aki
    Elizabeth Cameron Dalman
    Danny Diamond
    Zen Jefferson
    Anna Kaszuba
    Saku Koistinen
    Alexander Leonhartsberger
    Mikel Murfi
    Mary Barnecutt
    Erik Nevin
    Rachel Poirier
    Carys Staton
    Molly Walker


    Совместная постановка с:


    Michael Keegan-Dolan; Sadler’s Wells Theatre London; Colours International Dance Festival, Theaterhaus Stuttgart; Dublin Theatre Festival; Theatre de la Ville, Luxembourg. With support from The Civic Theatre, Tallaght, and South Dublin County Council Arts Office.


    Culture Ireland Credit


    Международные гастроли поддерживаются Culture Ireland



    Продолжительность:


    75 минут без антракта


    Майкл Киган-Долан, один из ведущих европейских деятелей в области театра и танца, придумал новую волшебную версию всем известного балетного сюжета – «Лебединого озера». В его спектакле реальный мир переплетается с волшебным, а захватывающий сюжет проиллюстрирован выразительными визуальными образами.


    «Лебединое озеро» Киган-Долана возникло на перекрестке древних ирландских мифов и современной жизни страны. Дублинский ансамбль Slow Moving Clouds создал для спектакля музыку на основе скандинавских и ирландских народных традиций, не чуждую экспериментов и проникнутую минимализмом. Получившийся балет – плоть от плоти своей эпохи. Это первый проект новой танцевальной компании Киган-Долана, Teaċ Daṁsa, и успех его показов в Дублине и в лондонском театре Сэдлерс-Уэллс был оглушителен, а в 2017 году газета «Айриш Таймс» присудила этому балету свою театральную премию за лучшую постановку.


    Биография


    С 1997 по 2015 годы Майкл Киган-Долан возглавлял созданную им международную театрально-танцевальную компанию Fabulous Beast, базировавшуюся в графстве Лонгфорд, Ирландия.


    Fabulous Beast известна целым рядом своих новаторских постановок, в которых сочетаются хореография, актерское мастерство и музыка. В их числе «Жизель» (2003), «Телец» (2005) и «Весна священная» (2009), номинировавшиеся на премию Лоуренса Оливье. «Жизель» в 2004 году получила театральную премию газеты «Айриш Таймс», а «Телец» в 2008 году удостоился награды британских балетных критиков.


    Спектакль «Райан» (2011) получил нью-йоркскую премию «Бесси» в 2013 как лучшая постановка.


    В 2012 Английская национальная опера пригласила Киган-Долана стать режиссером и хореографом оперы Генделя «Юлий Цезарь».


    В 2013 с труппой Fabulous Beast Киган-Долан поставил вечер балетов Стравинского, дополнив новую версию «Весны священной» 2009 года постановкой «Петрушки» Премьера состоялась в лондонском театре Сэдлерс-Уэллс, после чего спектакли были показаны на фестивале Movimentos в Германии, фестивале искусств в Голуэе (Ирландия), фестивалях в Брисбене и Мельбурне (Австралия).


    В 2015 году для диптиха Гетеборгской оперы «Царство теней/ Неверленд» Киган-Долан поставил балет «Большой шум», при работе над которым сотрудничал со знаменитым исполнителем скандинавской народной музыки Але Мёллером.


    В сезоне 2015/16 Майкл Киган-Долан был приглашенным художественным руководителем Национальной молодежной танцевальной программы при театре Сэдлерс-Уэллс и поставил в нем новый балет «Не-Винные», а в настоящее время является приглашенным хореографом театра.


    В 2016 на Дублинском театральном фестивале Киган-Долан представил свое «Лебединое озеро», которому в 2017–2018 годах предстоят продолжительные гастроли.


    В марте 2017 года Киган-Долан создал новый балет на музыку Восьмой симфонии Дворжака для Театра на Гертнерплатц в Мюнхене.


    В 2016 году Киган-Долан основал новую танцевальную компанию под названием Teaċ Daṁsa.


    Предыдущая танцевальная компания Майкла Киган-Долана называлась Fabulous Beast – «Сказочный зверь». Семнадцать лет Киган-Долан сочинял сказки об этом волшебном существе, но к зиме 2014 года стало ясно, что жизнь зверя подходит к концу. Ближайшей весной он убежал на радугу. Несколько месяцев прошло в трауре, а потом на смену ушедшему стало создаваться нечто новое.


    Имя новому проекту выбирали так, чтобы отразить в нем непрекращающееся стремление Майкла Киган-Долана углублять связь со своими национальными корнями, с музыкой, языком и традициями своей стране. Свою роль сыграло и то, что в этот период он создавал «Лебединое озеро». Так на свет появилась компания Teaċ Daṁsa ([Чак Дауса]), что по-древнеирландски означает «дом танца». Это название подчеркивает связь танцев, которые ставит Киган-Долан, с местом, в котором они рождаются.


    «Лебединое озеро» – первый балет, выплавленный в котле под названием Teaċ Daṁsa.

  • 3 / 4 ноября 2017 г.
    Rocio Molina/Росио Молина (Испания)
    В программе: «Bosque Ardorа /«Лес Ардора», хореограф и исполнитель Росио Молина
    На сцене Московского академического музыкального театра имени К.С.Станиславского и Вл.И.Немировича-Данченко

    Лес Ардора


    Росио Молина – известная ниспровергательница хореографических канонов – создала свой танцевальный язык, преосмыслив традиции фламенко: суть стиля осталась неизменным, но он стал открыт авангарду. В ее постановках виртуозная техника сочетается с современными экспериментами и дерзкими концепциями, а во главу угла поставлена свобода. Росио Молина не боится вступать в союз с другими видами искусства и сотрудничать с другими художниками. Ее работы – уникальные театральные события, в основе которых лежат идеи и приемы из кинематографа и литературы, философии и живописи.


    Неутомимая Росио Молина родилась в испанской Малаге в 1984 году и уже в три года начала заниматься танцами. В семь лет она уже придумывала хореографические композиции, в семнадцать с отличием закончила Королевскую хореографическую консерваторию “Mariemma” в Мадриде и начала выступать в профессиональных танцевальных компаниях, гастролирующих за рубежом.


    В возрасте 22 лет Росио Молина поставила свой первый спектакль Entre paredes («Между стен»), за которым последовало множество других работ: El Eterno Retorno – «Вечное возвращение» (2006) Turquesa como el limón – «Бирюзовая как лимон» (2006), «Амарио» (2007), Por el decir de la gente – «Как говорится» (2007), Oro viejo – «Старое золото» (2008), Cuando las piedras vuelen – «Когда летят камни» (2009), «Винатика» (2010), «Дансорка и Винатика» (2011), Afectos – «Привязанности» (2012) и «Лес Ардора» (2014).


    Когда Росио Молине было 26, министерство культуры Испании наградило ее национальной премией в области танца «за вклад в обновление стиля фламенко и за многогранность исполнительского таланта, в котором свобода и смелость сочетаются с разносторонним подходом».
    Два года спустя, после небывало успешного представления «Старого золота» в театре Нью-Йорк-Сити-Центр, Михаил Барышников пришел в гримерную Росио Молины и встал перед ней на колени.
    C 2015 года Росио Молина является приглашенным хореографом театра Шайо в Париже.


    Росио Молина является одним из самых влиятельных испанских деятелей искусства в мире. Ее работы демонстрируются в театрах всего мира – Сэдлерc-Уэллс в Лондоне, Линкольн-Центр в Нью-Йорке, Эспланада в Сингапуре, театр Шайо в Париже и Бункамура в Токио – и на таких международных фестивалях, как Осенний фестиваль в Мадриде и Танцующий Мадрид, фестиваль в Ниме (Франция), Dance Umbrella в Лондоне, фестиваль фламенко в Дюссельдорфе и Mercat de les Flors в Барселоне. Кроме того, ее приглашают в такие святилища фламенко, как Севильская Биеннале и фестиваль в Хересе.


    На протяжении своей карьеры Росио Молина сотрудничала с самыми заметными фигурами испанского фламенко, среди которых Мария Пахес, Мигель Поведа, Чано Лобато, Пастора Гальван, Мануэль Линьян, Белен Лопес, Мануэла Карраско, Антонио Каналес и Исраэль Гальван. Кроме того, она работала с такими видными деятелями современного искусства, как художник Карлос Маркерие, Матео Фейжоу и Себастьен Рамирес.


    Творческие достижения Росио Молины удостоились множества национальных и международных наград, в числе которых национальная премия Испании в области танца, награда за лучшее выступление на Севильской Биеннале фламенко, премия «Хирадильо» Севильской Биеннале за лучшую хореографию, премия критиков «Фламенко сегодня» как лучшему исполнителю, премия критиков Комитета фламенко в Хересе, золотая медаль провинции Малага, премия MAX в области исполнительского искусства (2015), номинация на премию Лоуренса Оливье (2015). Критики и публика единодушны в похвалах ее работам: «Это умная и одаренная танцовщица» («Эль Мундо»); «Она – как ядерная энергия в сердце атома» («Ивнинг Стандард»); «Врожденный талант к самому испанскому из всех танцев» («Эль Паис»); «Она вся – страсть: страсть всепобеждающая, раскаленная, подчиняющая себе тело и приводящая его в движение, наполняющая его красотой и яростью» («Ла Вангуардия»); «Одна из лучших виденных мною танцовщиц фламенко» («Нью-Йорк Таймс»).


    ЛЕС АРДОРА
    Продолжительность спектакля: 80 минут


    Исполнители
    Росио Молина – танец
    Эдуардо Герреро – танец
    Фернандо Хименес – танец
    Эдуардо Трассьера – гитара
    Хосе Анхель Кармона – вокал и бас-гитара
    Хосе Мануэль Рамос «Оруко» – пальмас и компас (аккомпанемент ладонями)
    Пабло Мартин Джонс – ударные и электронное сопровождение
    Хосе Висенте Ортега – тромбон
    Агустин Ороско – тромбон


    Постановщики
    Росио Молина: хореограф, художественный руководитель, дирижер-постановщик, драматург
    Матео Фейжоу: художественный руководитель, драматург
    Росарио «Ла Тремендита»: дирижер-постановщик, автор мелодий и аранжировок для вокала
    Эдуардо Трассьера: автор музыки для гитары и аранжировок для тромбонов
    Дорантес: автор музыки для тромбонов
    Пабло Мартин Каминеро: автор музыки для тромбонов
    Карлос Маркерие: художник по свету
    Пабло Мартин Джонс: проектирование звукового пространства
    Майте Доно: стихи
    Хосе Аумада: костюмы Росио Молины
    Соледад Сесенья: стилист
    Гальярдо: обувь
    Оскар Вильегас: консультант по актерскому мастерству
    Херард Хиль и Давид Фернандес: видео
    Рафаэль Эрнандес: консультант по верховой езде
    Производство: Danza Molina S.L.
    Исполнительный продюсер: Мистер Данте


    Совместная постановка со следующими учреждениями:
    Лионская танцевальная биеннале, Марсельский фестиваль танца и искусства, Национальный театр Шайо, театр Оливье в Марселе, Управление культуры Западного Прованса, международный фестиваль «Танцующий Мадрид», фестиваль Mercat de les Flors в Барселоне, Севильская биеннале фламенко, театр Нима (сцена современного танца), Национальный балет Марселя, театр Вильфранша


    Краткое содержание
    Росио выбрала себе мужчин: двух танцоров и шестерых музыкантов. Дверь закрывается. Восемь мужчин стоят перед женщиной – танцовщицей, волшебницей, соблазнительницей, охотницей, любовницей. Она знает мужские слабости и готова стать добычей, но при этом будет командовать ими, направлять их, любить их, побеждать их и наконец покинет их. Росио Молина похожа на цветок. «Но этот цветок, – говорит она, – растет на скале и умирает, чтобы воскреснуть еще более красивым и сильным».
    «Лес Ардора» начинается с четырехминутного ролика, проецирующегося на сетчатый занавес: занимается прекрасная заря, Росио едет верхом через воображаемый лес. Потом занавес поднимается, и Росио появляется на сцене – богиня, одетая в бархат, кожу и мех; фея, амазонка, небожительница...


    Мужчины пристально смотрят на нее, но она уворачивается от них. Шаги, взгляды, движения плеч... Кто охотник, кто добыча? Росио заводит с мужчинами игру, и они подпадают под ее чары; она господствует, а тот, кто играет с ней, счастлив ей подчиниться. Эмоции пронизывают весь спектакль и ведут зрителей сквозь перипетии этого далеко не всегда сказочного сюжета.
    На сцене пусто, только несколько деревьев с обнаженными корнями позволяют участникам игры скрыться от взглядов публики, затаиться в засаде, выследить свою дичь. Никто не уйдет со сцены, пока длится спектакль.
    По сценарию Матео Фейжоу и Росио Молина сценическое действие короткого спектакля растягивается на целый день: от рассвета до заката. Световая партитура Карлоса Маркерие воспроизводит движение солнца: от ослепительного полудня до жутковатых сумерек.
    Росио Молина проводит свои импровизационные эксперименты в стиле «импульсивного танца» в самых неожиданных местах – в барселонском фонтане, на берегу Сены в Париже, в Центральном парке Нью-Йорка – и благодаря им обретает свободу движений и свободу ритма. Она не боится никого, включая себя саму, и со страстью отдается дикарской, почти языческой танцевальной партитуре фламенко. Но в ее танце есть и чистота движения, и виртуозные дроби, и многое другое.

     

    © Alain Scherer

  • 10 / 11 ноября 2017 г.
    Dresden Frankfurt Dance Company /Танцевальная компания Дрездена-Франкфурта (Германия)
    В программе: «Высокая порода/Эхо беспокойной души/ Вечный двигатель», хореограф Якопо Годани
    На сцене Московского академического музыкального театра имени К.С.Станиславского и Вл.И.Немировича-Данченко

    Высокая порода. Эхо беспокойной души. Вечный двигатель


    Танцевальная компания Дрездена-Франкфурта


    Танцевальная компания Дрездена-Франкфурта базируется сразу в двух городах – Дрездене и Франкфурте-на-Майне. Ее художественный руководитель — хореограф с мировым именем Якопо Годани, и репертуар компании состоит в первую очередь из его работ. Годани стремится создать новый выразительный танцевальный язык, который требовал бы виртуозности исполнения, позволяя максимально раскрыть физические возможности танцовщиков. На этом пути он соединяет наследие классической хореографии с современными идеями, делая свой коллектив совершенно уникальным.


    Компания пользуется поддержкой федеральных земель Саксония и Гессен, городов Дрезден и Франкфурт-на-Майне, а также частных спонсоров и общественных организаций. Выступает на базе Европейского центра искусства Хеллерау в Дрездене и Депо Бокенгеймер во Франкфурте-на-Майне.


    Якопо Годани
    Художественный руководитель / Хореограф


    Получивший международное признание хореограф Якопо Годани родился в городе Специя в Италии, где в 1984 году начал заниматься классическим балетом и современным танцем под руководством Лореданы Рованьи. Одновременно изучал изобразительное искусство в Школе изящных искусств Каррары. В 1986 году Годани перебрался в Брюссель и продолжил обучение в бежаровском Международном центре танца «Мудра».


    Профессиональную карьеру Годани начал в 1988 году, выступая в составе нескольких трупп современного танца в Париже. В 1990 году он собрал в Брюсселе собственную компанию и начал ставить для нее танцы. Его работы шли на сценах брюссельских театров Ателье-Сент-Анн и Плато. С 1991 по 2000 годы Якопо Годани был ведущим солистом Франкфуртского балета Уильяма Форсайта, вместе с которым работал над хореографией многих выдающихся постановок.


    По мере развития своей карьеры хореографа Годани сотрудничал с большим числом международных балетных компаний и создавал спектакли для Королевского балета Ковент-Гардена, Баварского государственного балета, Национальной компании танца Испании, Нидерландского театра танца, Королевского датского балета, Балета Британской Колумбии, балетных трупп Театра Капитолий в Тулузе и театра Ла Скала, Королевского балета Фландрии, Финского национального балета, балетных трупп Национальной оперы Рейна и Оперного театра Земпера в Дрездене, Танцевальной компании Сиднея, совместного проекта Израильской оперы и Центра Сюзан Деллаль, Национального балета Нидерландов, итальянской компании «Атербалетто», Балета Монте-Карло, Современного балета Сидар-Лейк и так далее.


    Начиная с сезона 2015/16 Годани является художественным руководителем и хореографом Танцевальной компании Дрездена-Франкфурта.


    Телесность и острота работ Годани не умаляет их изысканности. Он заставляет труппу двигаться как единое существо и подчеркивает это в своих постановках. Годани продумывает все этапы работы — от лежащей в ее основе хореографии до дизайна декораций, реквизита и пространств, в которых происходит действие; он разрабатывает драматургию спектаклей и пишет к ним тексты; продумывает внешний вид исполнителей; разрабатывает и развивает прогрессивные способы использования света и видеопроекций; к некоторым постановкам он сам сочиняет или аранжирует музыку. Он сформировал единодушную команду профессионалов, с которыми вместе работает над оригинальными идеями во всех сферах, требующих креативного и инновационного подхода, чтобы полнее отразить изменчивую панораму современного мира.


    Высокая порода
    Продолжительность: 25 минут
    14 танцовщиков
    Хореография, свет, оформление сцены, костюмы: Якопо Годани
    Музыка: дуэт 48nord (Ульрих Мюллер и Зигфрид Рёссерт)
    Мировая премьера: 22 сентября 2017 года, Европейский центр искусств Хеллерау, Дрезден, Германия


    «Высокая порода» Якопо Годани представляет собой нечленимое произведение, чьим главным средством художественной выразительности служит абстрактная и эстетически чистая хореография. Требуя от исполнителей максимального напряжения их физических возможностей, эта полная действия и почти математическая в своей точности работа Годани демонстрирует квинтэссенцию того, на что способна его труппа. Отказавшись от всего поверхностного и выдвинув на первый план техническое мастерство танцовщиков, «Высокая порода» позволяет зрителям прочувствовать хореографию как знаковое событие в полном смысле этого слова.


    Эхо беспокойной души
    Продолжительность: 15 минут
    4 танцовщика
    Хореография, свет, оформление сцены, костюмы: Якопо Годани
    Музыка: Морис Равель, пьесы «Ундина» и «Виселица» из цикла «Ночной Гаспар»
    Фортепиано (живое исполнение): Руслан Безброж
    Мировая премьера: 16 ноября 2016 года, Депо Бокенгеймер, Франкфурт-на-Майне, Германия


    Балет «Эхо беспокойной души» поставлен на музыку пьес «Ундина» и «Виселица» из фортепианного триптиха «Ночной Гаспар», написанного Морисом Равелем в 1908 году. В основе этого шедевра — старые французские стихотворения в прозе Алоизиюса Бертрана. Своим виртуозным творением Равель вдыхает жизнь в строки Бертрана, а классическая форма произведения сочетается с необходимостью играть в новаторской манере.


    Хореографические элементы «Эха» формируют единую нить, сливаются в общую атмосферу, преодолевающую границы пространства и времени. В этой жуткой нездешней атмосфере Годани и его артисты демонстрируют все грани виртуозного танца через серию квартетов и па-де-де, показывают затейливый узор бесконечных комбинаций отношений между людьми. Годани подчеркивает выразительность движений работой на пуантах, но при этом оставляет танцовщикам поразительную свободу действий внутри заданных эстетических рамок – норм классического балета. Музыку Равеля исполнит на сцене Руслан Безброж, концертмейстер труппы и известный концертирующий пианист.


    Вечный двигатель
    Продолжительность: 24 минуты
    16 танцовщиков
    Хореография, свет, оформление сцены, костюмы: Якопо Годани
    Музыка: дуэт 48nord (Ульрих Мюллер и Зигфрид Рёссерт)
    Мировая премьера: 16 ноября 2016 года, Депо Бокенгеймер, Франкфурт-на-Майне, Германия


    Программу завершает «Вечный двигатель» — захватывающая постановка, эффектная неоклассическая структура которой преобразует классическую балетную технику в произведение современного искусства. Радикальная телесность, подчеркнутая работой на пуантах, и эпизоды напряженного движения всех артистов спектакля позволяют этому ошеломительному произведению раскрыть художественную сущность и уникальность труппы. В работе над этой постановкой Годани вновь сотрудничает с дуэтом 48nord, который предоставил в распоряжение хореографа завораживающее разнообразие электронной музыки.

     

    Photo Raffaele Irace

  • 16 / 17 ноября 2017 г.
    Ballet National de Marseille / Национальный балет Марселя (Франция),
    В программе: «Кордебалет национального балета Марселя Болеро», хореографы Эмио Греко и Питер Шольтен
    На сцене Московского музыкального театра «Геликон-Опера»

    Le Cops du Ballet Болеро


    Национальный балет Марселя


    Создан в 1972 году хореографом Роланом Пети. Национальный балет Марселя (НБМ) был одной из первых танцевальных компаний, которая получила статус Национального хореографического центра (в 1984 году). В 1992 для компании было выстроено новое здание, которое она и занимает по сей день. С 1998 по 2004 годы НБМ возглавляла Мари-Клод Пьетрагалла, а с 2004 по 2013 – Фредерик Фламан. Оба хореографа открывали перед балетом Марселя новые творческие горизонты.


    С сентября 2014 года балетом Марселя руководят Эмио Греко и Питер Шольтен. Они планируют продолжать тот же подход, который использовали, работая над совместным проектом, стартовавшим в 2009 году в Амстердаме — международным танцевальным центром ICKamsterdam. Они создали свою вселенную, свой язык, заимствуя лексику как классического, так и постмодернистского танца. В программе мероприятий марсельского балета, названной «бунтующее тело», они обсуждают положение художника в обществе, а в программе le corps du ballet исследуют новую форму существования современного балета.


    В настоящее время в труппе Национального балета Марселя 26 постоянных артистов и 5 стажеров; подготовлена новая гастрольная программа.


    Эмио Греко и Питер Шольтен


    Эмио Греко — танцовщик из южной Италии, а Питер Шольтен — руководитель экспериментального театра в Нидерландах. Они начали работать вместе в 1990-х годах и превратили свое творческое сотрудничество в хореографическое приключение. Заинтересовавшись в 1995 году человеческим телом и внутренними мотивами его поведения, они создали свой первый проект – танцевальный моноспектакль Bianco – «Бьянко», который стал первой частью трилогии «Между мозгом и движением». Трилогия сопровождалась художественным манифестом о теле и семи принципах телесной логики. Этот манифест заложил основу нового языка, который они продолжают развивать.


    Чтобы описать их творчество и его самобытность, в котором постоянный поиск сочетается с мощным воображением, пришлось создать новый термин — «экстремализм». С первых дней существования компании EG I PC Эмио Греко и Питер Шольтен развивают собственную вселенную и хореографический язык, выкованный из напряжения и синхронности; они заимствуют лексику и у классического танца, и у постмодернистского танца. Причудливая театральность, которой наполнены танцевальные номера, и высокое качество то повторяющихся, то расцветающих разнообразием танцевальных движений Эмио Греко и его танцовщиков – все это вписано в жестко заданные рамки хореографической партитуры с тем, чтобы в каждом произведении воплотить фантастические пластические конструкты. В их работах отражается человеческое тело, этот незнакомец, вхожий во множество чувственных миров – отражается так, словно оно и творит все эти истории, погружаясь в неожиданные, загадочные пространства, где залитые светом декорации – цветные либо монохромные – ведут диалог с музыкой.


    Среди последних проектов Эмио Греко и Питера Шольтена «Комедия» (2011), «Рокко» (2011), «Страсти в дуэте» (2012), «Двойные значения: экстремализм» (2012), «Последнее прощание» (2012), «Двойные значения: Верди» (2013), «Мужчина без причины» (2013), «Сопрано» (2014), Le Corps du Ballet в Национальном балете Марселя и «Экстремализм» (2015).


    За многие из этих спектаклей, которые зачастую были поставлены совместно с крупными фестивалями и театрами и объехали весь мир, Эмио Греко и Питер Шольтен были удостоены множества международных премий.


    Le Corps du Ballet


    Продолжительность спектакля 70 минут
    17 танцовщиков
    Идея и хореография: Эмио Греко и Питер Шольтен
    Звукорежиссер: Питер Шольтен
    Художник по свету: Хенк Даннер
    Художник по костюмам: Клиффорд Портье
    Первая постановка (с 21 танцовщиком): 14 марта 2015 года в Национальном театре Марселя
    Совместно с танцевальным центром ICKamsterdam


    Le Corps du Ballet был первым проектом, созданным руководителями Национального балета Марселя балета Эмио Греко и Питером Шольтеном.


    Эмио Греко и Питер Шольтен задались целью найти для Национального балета Марселя новый облик, для чего им пришлось критически оценить состояние балетного искусства. Оба они приобрели театральный опыт еще в юности: один из них начинал как театральный режиссер и балетный драматург, а другой был высококлассным исполнителем в компании Яна Фабра. Отправной точкой их сотрудничества в 1995 году стал интерес к нестандартному танцу – новому подходу, основанному на классической технике и мощной пластической индивидуальности Эмио Греко.


    В 2011 году Эмио Греко и Питера Шольтена пригласили сотрудничать с Балетом Монте-Карло, а в 2013 году – с Датским королевским балетом. К этим двум истинно классическим труппам они подошли с отточенных художественных и технических позиций, которые разрабатывали со времени своего первого художественного манифеста – моноспектакля «Бьянко» (1996). Их интерес к поиску и созданию нового в балетной технике зародился в том числе благодаря известной книге Элиаса Канетти «Масса и власть». Главные темы этой книги – синхронность и отношения между индивидуальным и общественным. Таким образом Эмио Греко и Питер Шольтен нашли подход к классической балетной труппе с ее организацией и иерархией. Греко и Шольтена привлекают не только технические аспекты балета, но и аспекты социальные, и даже политические. «Балет – это артефакт, знаковое слово, в котором заключен весь мир». Оно используется разными способами и приобрело более широкое значение, чем стандартизированная танцевальная техника, сформировавшаяся при Людовике XIV; метонимически слово «балет» сегодня употребляется для обозначения танца как такового во всем многообразии его форм.


    Для Эмио Греко и Питера Шольтена Le Corps du Ballet – идеальный проект для формирования нового облика Национального балета Марселя. Этот спектакль позволил им продолжить предыдущий поиск и ввести новый импульс в диалог между классическим и современным танцем, характерный для всех их работ.


    Boléro


    Продолжительность спектакля 25 минут
    От 9 до 18 танцовщиков
    Идея и хореография: Эмио Греко и Питер Шольтен
    Художник по свету: Хенк Даннер
    Художник по костюмам: Клиффорд Портье
    Звукорежиссер: Питер Шольтен
    Музыка: «Болеро» Мориса Равеля © Nordice B.V. / Redfield B.V
    Премьера: 5 августа 2015 года в Оперном театре Марселя.
    Совместно с танцевальным центром ICKamsterdam


    Когда труппа Брониславы Нижинской впервые исполнила «Болеро», танцовщики двигались среди декораций в испанском стиле, а напряжение строилось вокруг танцовщицы болеро, соблазняющей мужчин как Кармен в знаменитой оперной сцене. Впоследствии Равель говорил, что он хотел бы поместить танцовщиков в заводскую среду – явно в стиле картин Фернана Леже – где множество линий и изгибов создавало бы контраст к линейной, повторяющейся мелодии.


    Эмио Греко и Питер Шольтен не стали ломать голову над сценографией и сконцентрировались на конфликте тела и музыки. Они продолжают исследования, связанные с «бунтующим телом», и музыка перестает набрасывать контуры сюжета: она становится главным действующим лицом, с которым взаимодействуют все танцовщики. Схватка девяти танцовщиков и симфонического оркестра может показаться неравной, но танцовщикам нужно освободиться от музыки, даже если их тела резонируют в ответ ей. Музыка Boléro – не просто сила, одолевающая танцовщиков, но поле внутренней битвы, отражающее двойственность каждого человека. Тело, столкнувшись с непреклонной ритмической линией, раскрывает свои сомнения, конфликты и желания. Поэтому чувство освобождения можно ощутить только в конце, когда в партитуре безжалостно сталкиваются звуки, а роли окончательно меняются.

     

    Сopyright: Alwin Poiana (Le Corps)


    Copyright: Verchere (Bolero)

  • 28 / 29 ноября 2017 г.
    Ballett Zurich /Балет Цюриха (Швейцария)
    В программе: «Щелкунчик и Мышиный король», хореограф Кристиан Шпук
    На сцене Большого театра, Новая сцена

    Щелкунчик и Мышиный король


    Балет Цюриха


    Балет Цюриха – старейшая профессиональная балетная компания Швейцарии, хорошо известная за пределами страны по успешным гастролям. В ее составе 36 исполнителей. С сезона 2012/13 Балет Цюриха возглавляет Кристиан Шпук.


    В настоящий момент компания базируется в Цюрихской опере, но изначально она была балетом Цюрихского городского театра. Труппу развивали возглавлявшие ее в разные годы Николай Березов, Патриция Нири, Уве Шольц и Бернд Бинерт. Швейцарский хореограф Хайнц Шпёрли, директор Балета Цюриха в 1996—2012, всего за несколько лет превратил его в одну из ведущих балетных компаний Европы. Под руководством немецкого хореографа Кристиана Шпука компания продолжает блюсти свои сложившиеся традиции и осваивать новые художественные пути, используя новаторскую хореографию для развития жанра традиционного сюжетного балета, но уделяя внимание и современному абстрактному танцу. Выдающиеся мировые хореографы – Уильям Форсайт, Пол Лайтфут и Соль Леон, Дуглас Ли, Мартин Шлепфер, Иржи Килиан, Уэйн Макгрегор, Марко Гёке, Матс Эк и другие – приезжают в Цюрих и обеспечивают труппе стилистическое разнообразие репертуара. Программа для молодых хореографов предоставляет членам труппы возможность взять на себя создание спектаклей.


    В 2001 году был учрежден Юношеский балет – программа для талантливых молодых артистов. Благодаря ей молодые артисты балета со всего мира могут получить поддержку во время перехода от обучения к профессиональной карьере. Участие в программе длится до двух лет; участники занимаются вместе с труппой Балета Цюриха, танцуют в некоторых репертуарных спектаклях и таким образом получают бесценный для карьеры танцовщика сценический опыт.


    Балет Цюриха ведет разностороннюю работу с публикой: сюда входят публичные презентации будущих премьер, вводные лекции перед представлениями, регулярные обсуждения балетов и большое количество разных проектов для детей, молодежи и учебных заведений.


    Кристиан Шпук
    Художественный руководитель


    Кристиан Шпук родился в немецком городе Марбург, с сезона 2012/13 возглавляет Балет Цюриха. Учился танцевать в знаменитой школе Джона Крэнко в Штутгарте, выступал в труппе Яна Лауерса Needcompany и в ансамбле Анны Терезы де Кеерсмакер Rosas. В 1995 году вступил в труппу Штутгартского балета, а в 2001 году стал ее штатным хореографом. Поставил для Штутгартского балета такие спектакли, как das siebte blau – «Седьмой синий» (2000), Lulu. Eine Monstretragödie – «Лулу. Трагедия монстра» (2003), Der Sandmann – «Песочный человек» (2006) и Das Fräulein von S. – «Мадемуазель де С.» (2012)


    Кристиан Шпук ставил спектакли для многих известных танцевальных коллективов в Европе и Америке. В их числе: Morphing Games – «Игры с формой» для итальянской компании Aterballetto (1999); «Адажио» для Нью-Йорк Сити балета (2000); this- – «Это...» для балета Берлинской национальной оперы (2003); The Restless – «Неутомимые» для чикагской компании Hubbard Street Dance 2 (2005); «Возвращение Улисса» для Фламандского королевского балета (2006, гастроли на международном фестивале в Эдинбурге в 2009 году); «Леонс и Лена» для балета театра Аальто в Эссене (2008) – спектакль впоследствии вошел в репертуар Большого канадского балета Монреаля, Штутгартского балета и Балета Цюриха; «Войцек» для Национального балета Осло (2011) – спектакль входит в репертуар Балета Цюриха. Для Балета Цюриха Шпук поставил «Ромео и Джульетту» (2012), «Сонет» (2014) и «Анну Каренину» (2014).


    В последние годы Кристиан Шпук направил свой талант на музыкальный театр и кинематограф. Среди его оперных постановок «Орфей и Эвридика» в Штутгартской опере (2009), «Фальстаф» в театре Висбадена (2010) и «Осуждение Фауста» для берлинской Дойче-Опер (2014). В 2006 году телеканал ARTE транслировал 25-минутный танцевальный фильм Шпука с участием Марсии Хайде и Роберта Тьюсли.


    В 2005 году балет Шпука «Дети», поставленный для театра Аальто в Эссене, был номинирован на премию Benois de la Danse. А балет «Поппея//Поппея» для компании Gauthier Dance, базирующейся в Театральном доме Штутгарта, стал одним из 10 наиболее успешных танцевальных спектаклей 2010 года по версии журнала Dance Europe и завоевал в 2011 году немецкую театральную премию «Фауст» и итальянскую премию Danza/Danza.


    Щелкунчик и Мышиный король
    Хореография: Кристиан Шпук
    Музыка: Петр Ильич Чайковский
    Дирижер: Пол Коннелли, Яннис Пуспурикас
    Художник-постановщик: Руфус Дидвишюс
    Художник по костюмам: Буки Шифф
    Художник по свету: Мартин Гебхардт
    Хормейстер: Эрнст Раффельсбергер
    Драматурги: Михаэль Кюстер, Клаус Шпан
    Премьера: 14 октября 2017 года, Цюрихская опера


    По одноименной сказке Э.Т.А. Гофмана
    Переработка сценария – Клаус Шпан


    Стоит только подумать о музыке Чайковского к балету «Щелкунчик», как слышишь волшебный звук челесты, сопровождающий знаменитый танец Феи Драже, а перед глазами встает гостиная в роскошном рождественском убранстве и кружатся в вальсах снежинки и цветы.

    Музыка Чайковского – яркая, ясная, изобретательная – сделала «Щелкунчика» одним из самых популярных произведений балетного репертуара. Запоминающиеся мелодии обрамляют историю девочки Мари. Под действием магии рождественских подарков она приходит в состояние неестественного лихорадочного сна, где игрушки и сладости оживают и вступают в бой со страшными мышами, а под конец деревянный Щелкунчик побеждает и становится Прекрасным принцем.


    Сюжет «Щелкунчика» основан на сказке Э.Т.А. Гофмана, которая, став балетным либретто, утратила львиную долю своей темной романтической мистики. В частности, второй акт балета состоит только из дивертисментов – колоритные танцевальные номера и зрелищные сценические эффекты сменяют друг друга, в то время как действие нисколько не развивается. Гофман же, напротив, ведет сюжет дальше: он рассказывает сказку внутри сказки (в балете от нее не осталось и следа) и тонко балансирует между воображением и реальностью. Кристиана Шпука больше интересует фантастическая природа первоначальной истории, чем ее прелестная рождественская оболочка. В своей новой постановке он населяет сцену всевозможными персонажами Гофмана и создает остроумный и причудливо-инфернальный спектакль.


    Немецкий хореограф Кристиан Шпук


  • 2 / 3 декабря 2017 г.
    Jessica Lang Dance / Джессики Ланг Дэнс / (США),
    В программе: Соло Баха/ Сладкая тихая дума / Взгляд на тысячу ярдов/ Вызов/ Белый /i.n.k.
    Хореограф Джессика Ланг
    На сцене Московского музыкального театра «Геликон-Опера»

    Соло Баха. Сладкая тихая дума. Взгляд на тысячу ярдов. Вызов. Белый. i.n.k.


    Джессика Ланг – хореограф и художественный руководитель компании Jessica Lang Dance, обладательница престижной танцевальной премии «Бесси» 2014 года. С 1999 года Джессика Ланг поставила более 90 произведений для танцевальных коллективов по всему миру, включая Северо-Западный тихоокеанский балет Сиэтла, Королевский балет Бирмингема (номинирован на Манчестерскую театральную премию в 2013 году), Национальный балет Японии, Балет Джоффри в Чикаго. Недавние ангажементы включают постановки для Центра Кеннеди в Вашингтоне при участии Национального симфонического оркестра Америки, театра Харрис в Чикаго в рамках Чикагской архитектурной биеннале при участии архитектора Стивена Холла, и для проекта музея Гуггенхайма «Произведения и их создание». В 2013 году Джессика Ланг дебютировала в качестве оперного режиссера на оперном фестивале Глиммергласс с постановкой «Стабат Матер» Перголези. В 2015 году получила хореографическую стипендию театра Нью-Йорк Сити Центр.


     

    В 2011 году Джессика Ланг стала резидентом театра Джойс в Нью-Йорке, спонсируемого фондом Эндрю Меллона, и смогла основать собственную танцевальную компанию Jessica Lang Dance. Компания выступает на таких площадках, как Центр Кеннеди, театр Харрис, Нью-Йорк Сити Центр, Нортроп в Миннеаполисе, оперный театр Уинспиров в Далласе, танцевальный фестиваль Подушка Джейкоба в Массачусетсе и зал Фишера Бруклинской академии музыки. На сезон 2016/17 у компании были запланированы гастроли более чем в 20 городах.


    Постановки Джессики Ланг исполняются и в различных учебных заведениях, включая Джульярдскую школу, Перчейз-колледж Университета штата Нью-Йорк, Школу искусств имени Престона Тиша Нью-Йоркского университета, Южный методистский университет и многие другие. Джессика Ланг была одной из основателей школы имени Жаклин Кеннеди-Онассис при Американском театре балета в Нью-Йорке и преподавала там на курсе «Ставим балет».


    Джессика Ланг окончила Джульярдскую школу (класс Бенджамина Харкарви); танцевала в труппе Твайлы Тарп THARP! Преподает в Центре балета и исполнительских искусств Нью-Йоркского университета. В октябре 2016 поставила спектакль Her Notes – «Ее записки» для Американского театра балета, а в ноябре 2016 участвовала как хореограф в постановке «Аиды» в Опере Сан-Франциско (режиссер Франческа Замбелло).


    Соло Баха
    Продолжительность: 3 минуты
    Один танцовщик
    Музыка: Иоганн Себастьян Бах
    Премьера: 2008 год, перенос в Джульярдскую школу в 2014, в репертуаре компании Jessica Lang Dance с 2012 года


    «кусочек радости»
    (Маргарет Путнэм, «Театр Джонс», 20 декабря 2016)


    «классическая элегантность и непрерывная игра вращений»
    (Шарлотта Харт, «Сиэтл Дансес», 1 декабря 2016)


    «виртуозная вещица»
    (Майкл Апчёрч, «Сиэтл Таймс», 11 ноября 2016)


    «простой и элегантный сольный танец – легкий, грациозный, свободный»
    (Лорен Гэллахер, «ДэнсТэбс», 22 июня 2016)


    «короткий, яркий и грациозный – можно назвать его приветственным танцем»
    (Лора Блайберг, «Лос Анджелес Таймс», 22 февраля 2016)


    «Смотреть текучее соло, исполненное под партиту Баха № 3 ми мажор, было все равно что наблюдать за движением воздуха. Кандзи Сегава танцевал с любовью и чуткостью к музыке, создавая уверенное сценическое присутствие».
    (Дебора Уингерт, «Взгляд на танец и искусство», 30 июля 2012)


    «...для хореографа, настолько увлеченного работой с предметами, простое и короткое «Соло Баха» стало откровением. Казалось, что Сегава, чей танец открывал программу, парит над сценой в лучах света и воздушных звуках музыки... Прекрасное, свободное и на вид не требующее усилий произведение, удовольствие для глаз...»
    (Бесс Хохштейн, «Рурал Интеллидженс», 28 июля 2012)


    Сладкая тихая дума
    Продолжительность: 10 минут
    Четыре танцовщика
    Музыка: Якуб Чупинский
    Художник по костюмам: Бредон Макдональд
    Художник по свету: Николь Пирс
    Премьера: 2016 год


    «...танцовщики взмывают в воздух и вращаются, сходясь и расходясь и все время меняя комбинации»
    (Маргарет Путнэм, «Театр Джонс», 20 декабря 2016)


    «гипнотизирующее зрелище... котел, закипающий на медленном огне»
    (Шарлотта Харт, «Сиэтл Дансес», 1 декабря 2016)


    «стремительно, легко, запутанно, энергично и восхитительно точно»
    (Майкл Апчёрч, «Сиэтл Таймс», 11 ноября 2016)


    «ощущения от чтения сонетов Шекспира идеально переданы в пластике; танец становится поэзией»
    (Александра Вильярреаль, «Хаффингтон Пост», 21 июня 2016)


    Взгляд на тысячу ярдов
    Продолжительность: 20 минут
    Девять танцовщиков
    Музыка: Людвиг ван Бетховен
    Художник по костюмам: Бредон Макдональд
    Художник по свету: Николь Пирс
    Премьера: 2016 год
    Постановка осуществлена благодаря щедрости Джеффри Фэллона


    «попросту шедевр... этюд о тесной дружбе и повторяющихся потерях... связь между танцовщиками – как между солдатами в строю – предельно ощутима и говорит о предельном доверии»
    (Майкл Апчёрч, «Сиэтл Таймс», 11 ноября 2016)


    «работа завораживает символичностью и откровенностью движения... она говорит о верности, страхе, самопожертвовании и всех тех сложностях и конфликтах, которые испытывает человек на войне»
    (Либби Ханссен, «Канзас Сити Стар», 2 октября 2016)


    «Здесь есть всё – гордость, честь, надежда, страх, дружба, потеря, беспомощность; есть и шок, и травма, и скорбь. “Взгляд на тысячу ярдов” помещает под микроскоп само человечество».
    (Лорен Гэллахер, «ДэнсТэбс», 22 июня 2016)


    «заставляет ощутить отчаяние за человечество, боль потери и тоску, без которых не бывает жизни ни на войне, ни в мирное время»
    (Александра Вильярреаль, «Хаффингтон Пост», 21 июня 2016)


    «произведение, полное образов насилия и утраты, надежды и отчаяния; чувственное, звучное и прекрасное, оно беспокоит и преследует тебя»
    (Джеймс Д. Уоттс младший, «Тульса Уорлд», 13 апреля 2016)


    «Лаконичный, но выразительный балет,великолепный от и до».
    (Лора Блайберг, «Лос Анджелес Таймс», 22 февраля 2016)


    «замечательное – минималистское, но глубокое – изображение солдат в строю и в бою. Проникновенно и искусно».
    (Хеди Вайс, «Чикаго Сан-Таймс», 18 декабря 2015)


    «создает неимоверно яркий параллельный мир потерь, дружбы и одиночества, откуда разум не может выбраться»
    (Лора Мользан, «Чикаго Трибьюн», 7 ноября 2015)


    Вызов
    Продолжительность: 4 минут
    Одна танцовщица
    Музыка: Trio Mediaeval
    Художник по костюмам: Елена Комендадор
    Идея костюма: Джессика Ланг
    Художник по свету: Эл Кроуфорд
    Премьера: 2006 год
    Поставлено по заказу танцевальной компании Эйли II


    «...обстоятельное произведение, похожее на степенно оживающую статую»
    (Эдриан Чемберлен, «Таймс Колонист», 19 ноября 2016)


    «замечательная динамичность... пугающая красота»
    (Сандра Курц, «Сиэтл Уикли», 10 ноября 2015)


    «чудесное зрелище»
    (Филиппа Кирали, «СанБрейк», 8 ноября 2015)


    «сюрреалистичное сочинение»
    (GBM News, март 2013)


    «В памяти надолго останется видение обнаженной спины и рук танцовщицы, вырастающих из белой колонны, – как остаются многие образы, созданные Джессикой Ланг».
    (Треска Вайнштейн, «Данс Магазин», 1 августа 2012)


    «Минималистично и обманчиво просто»
    (Алан К. Смит, «Берньюз», 25 января 2012)


    «Неземной балет... Долгие плавные движения бесшовно перетекают в движения угловатые и форсированные, но равно прекрасные, и совершенно завораживают зрителей».
    (Джина Майлз, «Бермуда Сан», 25 января 2012)


    Белое
    Продолжительность: 10 минут
    Шесть танцовщиков
    Музыка: Эдвард Григ
    Художник по костюмам: Елена Комендадор
    В соавторстве с Синити Маруямой и Тэцуси Вакасуги
    Премьера: 2011 год
    Поставлено во время пребывания Джессики Ланг в должности штатного хореографа театра Джойс, спонсируемого фондом Эндрю Меллона.


    «Эта постановка – настоящий волшебный фонарь: она не походит ни на что из возможного в живом театре».
    (Линкольн Кейи, «Ванкувер Обсервер», 2 ноября 2016)


    «Пожалуй, никогда еще в одном спектакле не раскрывалось такое количество возможностей». (Зэкери Льюис, «Кливленд Плейн Дилер», 14 апреля 2014)


    «Продуманное высказывание на тему времени, пространства и взаимодействия».
    (Зара Саджади, «Театр – это просто», 23 февраля 2014)


    «С помощью более народной, весомой лексики Ланг передает суть танца – раздирающее душу желание, чтобы движение длилось как можно дольше».
    (Эндрю Бойнтон, «Нью-Йоркер», 21 августа 2013)


    «”Белое” – это балет под фильм, в котором Ланг и Маруяма вполне успешно экспериментируют со временем и пространством, создавая дуэт реального времени и замедленной съемки. Кто-то из танцовщиков двигается замедленно, кто-то – в темпе реального времени, а кто-то ускоренно, но все они взаимодействуют безупречно».
    (Джулинда Льюис, «Ричмонд Таймс Диспетч», 16 сентября 2012)


    «Инновационной работу Ланг делает то, что она не просто открыла любопытные спецэффекты – она тщательно выстраивает хореографию взаимодействия с экраном и делает это так мастерски, что мы уже не просто смотрим фильм, или балет, или балет под фильм: перед нами совершенно новый вид искусства».
    (Тим Мартин, Dance Europe, 1 ноября 2011)


    «Юмористические эпизоды (например, когда движения ускорены в стиле немого кино) чередуются с более проникновенными сценами, где танцоры двигаются словно сквозь грезу».
    (Филип Гарднер, «Роща Оберона», 22 июля 2011)


    Продолжительность: 27 минут
    Семь танцовщиков
    Музыка: Якуб Чупинский (специально написанная партитура)
    Художник по костюмам: Елена Комендадор
    Художник по свету: Николь Пирс
    Видеоарт: KUSHO – фотографии Синити Маруямы в обработке Тэцуси Вакасуги и Джексона Нотье
    Премьера: 2011 год
    Поставлено во время пребывания Джессики Ланг в должности штатного хореографа театра Джойс при поддержке фонда Эндрю Меллона. Дополнительное финансирование от фонда братьев Рокфеллер.


    «Закончилось слишком быстро, но было прекрасно до последней капли».
    (Ребекка Ритцель, «Вашингтон Пост», 29 марта 2015)


    «поразительный танец теней и силуэтов»
    (Дженнифер Хааланд, Mesa Performing Arts Examiner, 21 ноября 2014)


    «Такой проницательный и проникновенный балет, что нельзя не поразиться, насколько захватывающими могут быть такие простые, спокойные и отвлеченные изображения, звуки и движения».
    (Зара Саджади, «Театр – это просто», 23 февраля 2014)


    «Заявленный как брызги воды и чернил, неизменно причудливый и местами забавный i.n.k. представляет собой бесшовное взаимодействие между танцовщиками и видеопроекциями».
    (Джулинда Льюис, «Ричмонд Таймс Диспетч», 16 сентября 2012)


    «Строгое черно-белое оформление придает работе чистый, современный вид».
    (Тим Мартин, Dance Europe, 1 ноября 2011)


    «союз музыки, изобразительного искусства и танца – в дягилевском духе»
    (Филип Гарднер, «Роща Оберона», 22 июля 2011)